La Secretaría de Turismo, Cultura y Deportes de Gualeguay, a través de su Dirección de Cultura, anunció la apertura de inscripciones para el nuevo "Workshop Intensivo de Bodegones". La actividad académica y artística comenzará en el mes de mayo y tendrá como sede la Casa de la Cultura "Museo Quirós", un espacio emblemático para la formación plástica local.

El taller será dictado por la reconocida artista plástica Ana Valeria Nass y está diseñado bajo una modalidad arancelada. La propuesta educativa se extenderá durante tres meses, con una carga horaria de dos jornadas intensivas por mes, lo que permite un abordaje profundo de las técnicas sin interferir con las actividades diarias de los asistentes.

El workshop se centra en la Naturaleza Muerta (“Still Life”), trabajando directamente con el modelo natural. Según se informó desde la organización, el objetivo es explorar la pintura desde una mirada académica, abordando los fundamentos esenciales del bodegón como género clásico.

Los participantes podrán trabajar en la composición, el manejo de la luz y el volumen, siguiendo métodos tradicionales de representación. Como cierre del ciclo de formación, se llevará a cabo una "Muestra Colectiva" donde los alumnos expondrán las obras realizadas durante el taller, abriendo el proceso creativo a toda la comunidad.

Dada la naturaleza intensiva de la capacitación, los cupos son limitados. Los interesados en participar o solicitar información sobre costos y fechas exactas de las jornadas de mayo pueden comunicarse a través de los siguientes canales:

Esta iniciativa busca fortalecer la oferta de formación artística en la ciudad, brindando herramientas técnicas de nivel profesional tanto para aficionados como para estudiantes de arte avanzados.

Juan Falú volvió a Gualeguay este jueves para presentarse en la Biblioteca Popular Carlos Mastronardi, en una noche que desbordó la capacidad de la sala y confirmó, una vez más, el fuerte lazo entre el referente de la música popular argentina y el público entrerriano. Antes del concierto, dialogó extensamente con El Debate Pregón sobre ese vínculo, su presente artístico, la cultura en un momento de intemperie y la guitarra como memoria del país.No es la primera vez que viene a Gualeguay, y tiene un vínculo con Entre Ríos, con la música de acá también: “La vida artística me hizo venir muchas veces a Entre Ríos y fue siempre muy importante para mí”, señaló. Falú recordó que sus primeras aproximaciones a la provincia: “Empecé a venir cuando yo estaba abriéndome el camino después de mi regreso al país, con la reapertura democrática. Y fue muy bueno venir acá porque encontré una provincia muy guitarística”.Ese encuentro temprano marcó una relación profunda: “Rápidamente entré en contacto con los referentes de la guitarra: con el Zurdo Martínez, con Walter Heinze, con Ernesto Méndez. Luego con muchos discípulos de ellos, como Silvina López, como Maru Figueroa, y no sigo nombrando porque son muchos y muchas realmente. Siempre hubo un vínculo afectivo importante y un vínculo musical importante con Entre Ríos”. Para Falú, ese abrigo fue decisivo: “La verdad que es una de las provincias que más me abrigó en ese camino que yo estaba iniciando”.Consultado sobre la identidad cultural entrerriana, Falú subrayó una cercanía particular: “Lo que yo sí siento es la cercanía entre Entre Ríos y Uruguay. Eso lo percibo en muchos gestos”. También mencionó el lazo musical que comparte con Liliana Herrero: “Ella tiene una memoria entrerriana, digamos, así que entre la de ella y la mía, que es tucumana, tuvimos intercambios muy buenos, además de los musicales”. Sus visitas siempre tuvieron ese sello del artista que anda por los bordes a pesar de su consagración: “Vine muchas veces. Hoy me contaba Sabina Lardit, una gran amiga, que siempre tuvo algo que ver con mis venidas y tiene memoria: son muchísimas”. Y así lo confirmó Sabina al recordar que tocó en el mítico espacio La Candela y también en un garaje, por citar un par de ejemplos. Docencia, cultura y política

Falú habló también de su presente, marcado por una fuerte actividad artística tras dejar la docencia universitaria: “Creo que en pandemia dejé de dar clases. Y también pienso que había cumplido un ciclo, de casi 35 años de docencia, de generar espacios académicos para transmitir la música argentina. Esos espacios están consolidados y yo sentí que había cumplido un ciclo”. Aunque reconoce cierta nostalgia, su agenda musical no se detuvo: “Extraño un poco la docencia y el vínculo con esa juventud que abraza la música argentina. Pero mi vida continúa muy intensa. El año pasado di 101 recitales”. Una locura, uno cada tres días.

El propio balance lo sorprendió: “Cuando me pidieron hacer un saludo de fin de año revisé qué había pasado y vi que había tocado 101 veces. Yo no lo podía creer”.

Para Falú, esa intensidad no es casual: “Creo que represento un lado de la cultura, y ¿por qué no decirlo?, de la política también. Cuando uno toca, está reuniendo público que tal vez quiere reunirse a sí mismo. Y la canción, la música argentina, que es memoriosa, es un camino muy bueno para ese abrazo colectivo, en un momento en que la argentinidad está bastante debilitada. Y desde la política no hay todavía respuestas”. Y agregó: “Ahí la canción, la poesía, la cultura, cobran una dimensión especial: para decir o para escuchar lo que uno necesita escuchar. La política está sin un mensaje. Y lo que se espera es un mensaje que genere una cohesión colectiva y una mística. Ya vendrá”. En cuanto a la relación entre arte y mensaje político, Falú sostuvo una postura histórica: “El arte tiene que ser arte. Si es también una mensajería, bienvenido sea. Se hacen bien mutuamente, cuando el arte tiene un sentido político desde lo artístico y cuando la política comprende e incluye el arte en su praxis. Eso en Argentina es una deuda de la clase política en general, de no estar muy interiorizada de las pertenencias culturales”.

Desde su mirada federal, apuntó: “Un entrerriano conoce su provincia y su cultura, un tucumano también, un cuyano también. El centrismo se siente más vinculado a una modernidad sin anclaje, sin identidad”. Y concluyó: “El progresismo tiene esa cualidad digamos. Lo discursivo, lo correcto y como que los resultados no son tan visibles. Y me parece que está siendo necesario que la política represente esas culturas entrañables de las regiones argentinas. Es muy necesario. Se habla de federalismo, pero termina siendo un discurso vacío. El federalismo es sentir las identidades culturales argentinas. Si no se aman esas pertenencias, no creo que se puedan incluir en los programas o en las reivindicaciones”.

La guitarra como memoriaAntes del concierto, Falú se permitió una reflexión final sobre el instrumento que lo acompaña desde siempre: “Creo que Argentina es una tierra de guitarras. En todos los sentidos. Es una mensajera de la historia. Y debe ser el país donde mejor se toca la guitarra en el mundo”. Comparó tradiciones y raíces: “En algún momento eso fue España. Hoy lo que se mantiene poderoso es el flamenco. Y acá la guitarra tiene su decir pampeano, su decir cordillerano, su decir de la selva, de la llanura, de los ríos. Es increíble”. También destacó el crecimiento de la luthería: “Antes el luthier era uno solo en tal lugar. Hoy está lleno de constructores de guitarra, no guardan secretos como antes”.

Esa noche, Falú tocó con un instrumento muy especial: “Voy a tocar con una guitarra de Ricardo Louzao, un extraordinario luthier que falleció joven. Él me dio esta guitarra y yo, por estúpido o por neurótico, no la estaba usando. Decidí en este viaje sacarla”. El reencuentro fue significativo: “Siento que descubrí un instrumento que lo tenía ahí al alcance de la mano. Es como reencontrarse. Y es bueno, porque ayuda a la interpretación”. Con esa guitarra y esa memoria, Juan Falú volvió a Gualeguay y, una vez más, la música hizo su trabajo: reunir; literalmente amontonar; abrazar; y decir lo que muchas veces no encuentra voz en otros ámbitos. Para eso sirve la cultura.

La primera jornada se desarrolló en la Estancia Santa Teresa, donde artistas, aficionados y estudiantes compartieron una intensa experiencia de trabajo a cielo abierto, capturando la esencia del campo a través del color y la observación directa.

La actividad cuenta con el acompañamiento de la Dirección de Cultura Municipal y propone dos días de práctica, encuentro y demostraciones técnicas. El taller está a cargo de los profesores Ana Valeria Nass y Javier Silveyra, este último invitado especial llegado desde Buenos Aires.

La segunda jornada se llevará a cabo hoy sábado 29 de noviembre, en la Costanera de Gualeguay, en el mismo horario de 10:30 a 19:30 horas, ofreciendo un nuevo escenario natural para continuar explorando la pintura al aire libre.

Esta iniciativa consolida a Gualeguay como un punto de encuentro para el arte y la cultura, promoviendo experiencias creativas que conectan a los participantes con el entorno y con el disfrute del proceso artístico

26 Octubre 2025

Escribir en ambos idiomas tiene un problema adicional: lo que puede ser apropiado en castellano no necesariamente lo es en inglés y viceversa. Mis primeros borradores de artículos en inglés suelen ser demasiado sobrios, despojados y estructurados, por lo que es necesario seguir editándolos en sucesivas lecturas y ajustes. El castellano permite una forma de expresión más ornamentada, con el uso frecuente de símbolos, circunloquios, analogismos y figuras retóricas, mientras que en inglés hay una economía expresiva no necesariamente más simple, sino simplemente más directa. Esto es evidente cuando se intenta traducir de un idioma a otro, donde la versión en inglés suele ser más corta que la castellana.

El arte de la exuberancia

En una entrevista publicada en The Paris Review (1984), Julio Cortázar se despacha con unos imperdibles comentarios sobre la escritura, cuando le preguntaron por qué cree que José Lezama Lima hace que un personaje de su novela Paradiso diga que el texto barroco es lo que más le interesa a los lectores de España y América Latina: “Los escritores barrocos, muy a menudo, se dejan llevar demasiado fácilmente en sus escritos. Escriben en cinco páginas lo que se podría escribir perfectamente en una. Yo también debo haber caído en el barroco porque soy latinoamericano, pero siempre le he desconfiado. No me gustan las frases turgentes, voluminosas, llenas de adjetivos y descripciones, ronroneando y ronroneando en el oído del lector. Sé que es muy encantador, por supuesto. Es muy bello, pero no soy yo. Yo estoy más del lado de Jorge Luis Borges. Él siempre ha sido enemigo del barroco; apretaba su escritura como con tenazas. Bueno, yo escribo de una manera muy diferente a Borges, pero la gran lección que él me dio es de economía. Me enseñó cuando empecé a leerlo, siendo muy joven, que había que tratar de decir lo que uno quería con economía, pero con una economía bella. Es la diferencia, tal vez, entre una planta, que podría considerarse barroca, con su multitud de hojas, a menudo muy bellas y una piedra preciosa, un cristal, que para mí es más bello todavía”.

Borges define así el barroco: “Me atrevo a decir que el barroco es un estilo que agota deliberadamente —o quiere agotar— sus posibilidades y raya en su propia caricatura”.

En una charla con el poeta argentino Roberto Alifano, amigo y colaborador de Borges, el escritor rumano Emil Cioran dijo: “El estilo de Borges es inteligente, de concepción matemática, en el que nada se deja fuera y nada falta; su escritura nos hace tocar cada paso de ese misterio inquietante que es la perfección. Creo haber escrito que si Borges me interesa tanto es porque representa un espécimen de humanidad en vías de desaparición y porque encarna la paradoja del apátrida intelectual, de un aventurero inmóvil que se desenvuelve a gusto en diversas civilizaciones y en diversos tipos de literatura, un monstruo magnífico y un condenado, por supuesto”.

Mario Vargas Llosa, en el número de otoño de The Paris Review (1990), cuando se le preguntó cuál era su escritor latinoamericano preferido, respondió: “Si me obligaran a elegir un nombre, tendría que decir Borges, porque el mundo que creó me parece absolutamente original. Y por supuesto, está ‘su’ lenguaje, que en cierto sentido rompió con nuestra tradición y abrió una nueva. El castellano es una lengua que tiende a la exuberancia, a la proliferación, a la profusión. Nuestros grandes escritores han sido prolíficos, desde Cervantes hasta Ortega y Gasset, Valle-Inclán o Alfonso Reyes. Borges es todo lo contrario: todo concisión, economía y precisión”.

Borges recién creyó haber alcanzado un estilo parco, directo y refinado a una edad bastante avanzada. En una de sus conversaciones con el escritor Fernando Sorrentino, se sinceró: “Para llegar al punto de escribir sucintamente, de una manera más o menos decorosa, tuve que llegar a los 70 años”. El hecho de que el mismo Borges abjurara de su escritura juvenil barroca y luego haya permutado por otra llana y directa, no deja de poner en evidencia su acérrima pretensión por lograr despojarse de esa manera de narrar —tan propia de los hispanohablantes— que él consideraba inconveniente por constituir un ornato sobreabundante, alambicado y, por lo tanto, poco estético.

El arte de cortar

En el idioma inglés, uno de los escritores más conocidos por su estilo minimalista y conciso es Ernest Hemingway. Desarrolló la “teoría del iceberg”, según la cual el significado más profundo de una historia no debería ser evidente en la superficie, sino que habría que expresarlo implícitamente, de manera larvada. En octubre de 1954, Hemingway recibió el Nobel de Literatura por “su maestría en el arte de la narrativa, demostrada en su reciente nouvelle El viejo y el mar y por la influencia que ha demostrado sobre un estilo contemporáneo”. Su forma de expresión concisa, casi quirúrgica, de gramática frugal —que acentúa la expresión verbal anglosajona— la desarrolló durante sus años como periodista en el Kansas City Star. El manual de estilo de redacción del Star recomendaba de forma contundente: “Utilice oraciones cortas. Emplee párrafos iniciales breves. Adopte un inglés vigoroso. Sea positivo, no negativo”.

Luego de haber contrastado diversos juicios respecto de las formas en que se resuelven los dos idiomas en que me vi involucrado en el transcurso de mi vida, el lector tendrá cabal comprensión sobre lo que quiero transmitir en lo concerniente a las dificultades y los desafíos a lo que hube de verme sometido. Como corolario de esta rica experiencia, creo que quizás lo más importante sea utilizar un estilo que se ajuste a lo que queremos comunicar. Al final, lo que realmente importa es que el estilo cumpla la función esencial de todo texto: llegar de forma eficaz al lector.

La magia de las palabras

Ya sea en inglés, castellano o cualquier otro idioma, hay una magia especial en las palabras. Acuden a nosotros cuando nos quedamos paralizados y derraman sobre las frases aquellos prodigios que no fuimos capaces de conferirles. Por eso habrá que escogerlas con delicadeza y unción agradecida. Al fin y al cabo, dependemos de ellas. Son nuestros poderosos instrumentos. Ya sea que escribamos en nuestra lengua materna o en la adquirida, la interacción entre ambas enriquece la dicción de los escritores bilingües. Como escribe la poeta y traductora estadounidense Dorothy Potter Snyder: “Aclaro mis pensamientos al decantarlos primero por el filtro de una lengua y luego por el otro, como el café sale claro y fuerte por la colaboración del agua, el papel y el grano. Mis dos lenguas se informan, se cuestionan y se ayudan mutuamente. Juntas, me muestran lo que quiero decir”. Esa, también, ha sido mi experiencia.

© LA GACETA

César Chelala – Médico, escritor y periodista tucumano radicado en Estados Unidos. Ganó el Overseas Press Club por un artículo publicado en The New York Times.

La exposición, que ocupó distintos sectores de la institución, permitió apreciar la diversidad de lenguajes y miradas que los estudiantes incorporan en su formación, con obras que dialogan entre lo plástico y lo tecnológico. Entre las producciones se destacaron intervenciones fotográficas, composiciones visuales, piezas de video y experiencias de diseño gráfico con identidad propia.

La profesora Felisa Pereyra, a cargo del espacio, explicó que el objetivo del taller es acercar a los futuros egresados al uso de herramientas digitales aplicadas al arte y la comunicación visual.

> “Los alumnos adquieren conocimientos sobre programas en formato digital, fotografía, video, entre otros. La idea es que puedan usar estos recursos no solo para crear, sino también para difundir y vender sus productos realizados en la FAPIC, tanto por medios digitales como en formatos físicos”, señaló.

Durante el año, los estudiantes desarrollaron proyectos que integran la producción visual con estrategias de comunicación, explorando la relación entre arte, tecnología y emprendimiento cultural. “De esta manera —agregó Pereyra— se realizan diferentes trabajos y se va evaluando la producción de cada uno”, con la idea de que el aprendizaje se vincule directamente con la práctica profesiona..

La muestra fue acompañada por docentes, estudiantes y público, que recorrieron las instalaciones de la escuela apreciando el resultado de un proceso creativo colectivo, en el que se evidenció el compromiso y la experimentación constante que caracterizan al espacio de Artes Visuales de la institución.

Los días viernes 28 y sábado 29 de noviembre, Gualeguay será escenario de un Workshop de Pintura al Aire Libre (Plein Air), una experiencia artística que invita a pintar en contacto directo con la naturaleza, explorando la luz, el color y la atmósfera en tiempo real.

La actividad estará a cargo de los reconocidos pintores-profesores Ana Valeria Nass y Javier Silveyra, este último invitado especial desde Buenos Aires, con una destacada trayectoria en la técnica del Plein Air.

El taller está dirigido a todos los niveles, desde quienes se inician en la pintura hasta artistas que deseen perfeccionar su técnica. Durante las jornadas, los participantes contarán con clases guiadas paso a paso, demostraciones en vivo, acompañamiento personalizado y material teórico de apoyo.

El encuentro comenzará cada día a partir de las 10:30 horas, y los cupos son limitados. Las inscripciones y consultas se realizan al 3444-622798, o a través de las redes sociales de los organizadores: 📸 @anavalerianass_classic.art / @jj.silveyra

Una oportunidad única para disfrutar del arte en un entorno natural y compartir la pasión por la pintura al aire libre 

Este miércoles por la tarde, en la intersección de Corrientes y 1º de Mayo, estudiantesdel Profesorado de Arte de Gualeguay montaron la muestra “Nadie se salva solo”, unproyecto interdisciplinario surgido de la cátedra de Derechos Humanos. Sobre laesquina, se podía ver todo el despliegue que estaba previsto mostrar dentro de laInstitución. La mezquindad, la ignorancia, el miedo al debate y la discusión (necesariospara la formación de cualquier estudiante terciario) obligaron a trasladar todo a la calle.

La profesora Eloisa Delmonte, docente a cargo, explicó el origen y sentido de lapropuesta.

—¿Cómo surgió esta iniciativa?

—Este grupo es de cuarto año de la cátedra de Derechos Humanos y también cursanlos talleres de escultura, grabado y cerámica. En conjunto con los profesorespensamos un proyecto basado en El Eternauta. Nosotros trabajamos viendo la serie, yellos, por su formación en arte, también abordaron el cómic. La idea era trasladar esematerial al lenguaje artístico, siempre desde la perspectiva de ciudadanía quetrabajamos en la cátedra.

Construimos la posibilidad de pensar un “Eternauta gualeyo” con un relato situado:cómo se ejerce la ciudadanía en nuestro contexto. Nos interesaba mostrar que a lahora de remar en sociedad, a algunos les toca un remo, a otros un simple palito oincluso un tenedor, y a veces remamos en direcciones distintas. De allí surge elnombre “Nadie se salva solo”: la idea de que no hay un otro externo que viene asalvarnos, sino que nos salvamos entre todos, encontrándonos en la mirada del otro.

Eso se refleja especialmente en los grabados, donde trabajamos el tema del espejo yla mirada compartida como motor de construcción ciudadana.

—La muestra originalmente estaba pensada para otro lugar, ¿no?

—Sí, la intención inicial era hacerla en el hall del complejo educativo. Pero, pordistintas dificultades que se presentaron, no pudimos realizarla allí y decidimos

montarla en la calle, aunque con una duración más breve. De todos modos,esperamos que en otra oportunidad podamos ampliar el trabajo o darle continuidad alo que construimos y que demandó tanto esfuerzo de los estudiantes.

—Se nota tu orgullo por lo que lograron.

—Por supuesto. Veo que pudieron volcar un concepto teórico al lenguaje de las artesvisuales, y ese es el objetivo de esta cátedra: transformar lo aprendido en unaexperiencia artística concreta.

—Te consulto por último: enseñar derechos humanos en este contexto políticotambién tiene un peso particular.

—Mirá, enseñar Derechos Humanos siempre supone un desafío. Casi diría que elobjetivo es generar cierta disrupción, incomodidad y tensión. Y cuando eso ocurre, seconvierte en una satisfacción, porque de lo contrario, ¿para qué enseñarlos?

La idea es que quien pase por la muestra pueda detenerse y preguntarse qué estáocurriendo en ese espacio público, que es de todos. Ese mismo acto de intervenir lacalle, de transformar una esquina cotidiana en un lugar de reflexión, también esenseñar derechos humanos. Y créeme: siempre, siempre genera tensión trabajarsobre este tema.

Entre un total de 274 postulaciones de 18 localidades entrerrianas, el jurado —integrado por Gabriel Benedetti, Jorge Tirner y Fernanda Toccalino— eligió 71 obras que competirán por los Premios Adquisición Gobierno de Entre Ríos y formarán parte de la muestra colectiva más federal del año.

En esta edición, tres creadores de la ciudad fueron distinguidos con la selección de sus obras en distintas disciplinas:

De esta manera, Gualeguay vuelve a posicionarse como un polo creativo dentro del mapa artístico entrerriano, aportando talento y proyección a un salón que ya es referencia nacional.

La premiación oficial tendrá lugar el jueves 6 de noviembre, mientras que la inauguración de la exposición se realizará el viernes 14 de noviembre a las 20 hs en la sede del Museo Provincial de Bellas Artes, en Paraná (Buenos Aires 355). La entrada será libre y gratuita.

La muestra reunirá obras de artistas de toda la provincia en disciplinas como pintura, dibujo, grabado, escultura, cerámica y arte textil, reafirmando el carácter diverso y plural del salón.

Con la participación de Medrano, Gallardo Obradovich y Yamin, Gualeguay celebra un nuevo reconocimiento para sus artistas, que logran abrirse camino en escenarios provinciales y consolidar a la ciudad como semillero de creatividad e innovación cultura

La exposición fue posible gracias a la colaboración de Débora Bustos, quien cedió el espacio para la actividad.

Durante la muestra, la profesora Evangelina Pérez explicó el alcance del Taller de Producción que se dicta dentro de la Tecnicatura en Bijouterie y Accesorios Artísticos. “Fabricamos piezas artesanales realizando desde el diseño hasta la comercialización”, señaló la docente, al tiempo que destacó el carácter integral de la propuesta académica.

Pérez subrayó además que la tecnicatura no solo brinda salidas laborales concretas, sino que también promueve la conciencia ecológica, ya que la mayoría de los trabajos se realizan a partir de materiales reciclados.

El plan de estudios consta de nueve materias complementarias, que permiten una formación completa en el área. La carrera tiene una duración de tres años y otorga puntaje para la docencia, lo que la convierte en una alternativa con múltiples posibilidades para quienes deseen vincularse con el arte desde un enfoque productivo y sustentable. La muestra, que congregó a estudiantes, familiares y vecinos, puso en valor el esfuerzo de los alumnos y la importancia de generar espacios de difusión para las sus producciones.

En este marco, se inauguró la muestra Tintes del litoral: memorias vegetales, de la artista gualeya Beatriz Vallaro, un proyecto curatorial a cargo de Patricia Carro, también oriunda de Gualeguay. La muestra, que permanecerá abierta durante un mes en la Galería de Arte Olga Noya, fue seleccionada en una convocatoria provincial.

En diálogo con El Debate – Pregón, Beatriz Vallaro compartió su emoción y vivencias sobre esta significativa experiencia artística:

—¿Cómo surgió su participación en este Encuentro?

—Fue un concurso a nivel provincial, el primero de este tipo en Entre Ríos. La convocatoria se hizo desde Paraná, pero el evento se realizó en Chajarí. Patricia Carro, curadora y también de Gualeguay, presentó el proyecto Tintes del litoral: memorias vegetales, con obras de mi autoría. Se trata de estampaciones botánicas, una técnica con la que vengo trabajando hace años. La muestra incluye 22 obras y permanecerá un mes expuesta en la galería Noya.

—¿Cómo vivió la inauguración de la muestra?

—La inauguración fue el sábado 2 de agosto a las 20:00. Fue una noche inolvidable. Participaron autoridades provinciales y municipales: el secretario de Cultura de Entre Ríos, Julián Stoppello; la directora del Museo Provincial de Bellas Artes, Julia Acosta; el intendente de Chajarí, Marcelo Borghesan, y el director de Cultura local, Luciano Percara. Pero lo que más me emocionó fue ver la galería llena de gente. Fue una multitud, una recepción muy cálida, nos hicieron sentir como en casa.

—¿Qué significó para usted mostrar su obra en Entre Ríos?

—Fue muy importante, porque si bien he presentado mi obra en muchos lugares del país, esta fue la primera vez que expongo fuera de Gualeguay, pero dentro de mi propia provincia. Siempre he mostrado mi trabajo fuera de Entre Ríos, así que esta experiencia fue realmente grandiosa. Me dio una satisfacción muy grande como artista entrerriana.

—¿Hubo otras actividades durante el Encuentro?

—Sí, fue un espacio donde se reunieron artistas de toda la provincia. Hubo talleres, charlas y exposiciones. Además de mi muestra individual en la galería Noya, también se inauguró otra muestra colectiva en el Centro Cultural Cabalaro, con obras de distintos artistas seleccionados. Fue una verdadera fiesta del arte visual entrerriano.

—¿Cómo fue el proceso de selección del proyecto?

—Se presentaron proyectos de artistas y curadores de toda la provincia. En nuestro caso, el proyecto curatorial fue presentado por Patricia Carro con mis obras, y fue uno de los seleccionados. Éramos las únicas de Gualeguay, lo cual nos llenó de orgullo. Había participantes de La Paz, Victoria, Concordia, San Salvador y muchas otras localidades. Fue una hermosa oportunidad de representar a nuestra ciudad.

—¿Qué destacaría de esta experiencia?

—La calidad del encuentro. Todo estuvo muy bien organizado y cuidado. El trato a las obras fue profesional y la atención que recibimos fue excelente. Me llevo una experiencia enriquecedora, un espacio de encuentro con otros artistas y la posibilidad de compartir lo que hago con el público de mi provincia.

Tanto Patricia, como Beatriz enviaron 4 obras y, luego de pasar la curaduría de selección, quedaron confirmadas.

El PremioArte Anima Latina nació de una iniciativa del Grupo Salentino especializado en la producción de eventos internacionales, apoyando el talento y desarrollo del arte y la cultura latinoamericana junto al ayuntamiento de Perugia.

Los artistas inscriptos participan del concurso del artista preferido por el público en Instagram; el ganador recibe la beca para visitar Perugia por 30 días, realizar estudios de la lengua y cultura italiana en la universidad de la ciudad, entre otros.

Ambas participantes agradecerán la votación de las personas de acuerdo con su elección.

¿Cómo podrán votar?

Lo podrán hacer en Instagram entrando a @premioarteanimalatina, seguir la cuenta, entrar en el link de la BIO que dice ¡VOTA POR TU ARTISTA FAVORITO! Buscas nuestra foto y nombre, se da click y luego, debajo de todos presionar botón enviar y listo.

Se puede votar por un artista; en este caso por Patricia Carro o por Beatriz Vallaro. Desde nuestra Hoja le deseamos suerte a ambas artistas.

La presentación forma parte del espacio impulsado por la cátedra Taller de Producción e Investigación V (Tesina final) de la Licenciatura en Artes Visuales, que busca visibilizar trabajos de investigación realizados por egresados y egresadas. En este caso, Mallarino expondrá su tesina titulada “La Realidad desde el Collage: práctica curatorial sobre la obra de Carlos Peperucho Quintana (Gualeguay, 1980-2010)”, una investigación que recorre la vida, obra y contexto cultural del artista entrerriano.

“Tomo la obra de Peperucho y el campo cultural en el que desarrolló su práctica. Exploro sus vínculos con otros artistas, con las instituciones y con los poetas. Su figura representa una vacancia académica: hay muy poco escrito sobre él y sobre los artistas de Gualeguay”, explicó Mallarino.

El enfoque de su investigación se enmarca en la sociología del arte, tomando como referencias teóricas a Pierre Bourdieu y Nathalie Heinich. La obra de Quintana es analizada desde sus condiciones de producción, circulación y mediación, visibilizando a un artista muchas veces marginado por el canon dominante.

Un artista marginal con una obra potentePeperucho Quintana nació en 1959 en Gualeguay, y comenzó a producir arte desde 1980. Falleció en 2011, dejando una obra cargada de intensidad, marcada por su experiencia de vida, la represión en dictadura, la bohemia, el under y el punk. “Hoy tenemos una obra rarísima para ser del interior del país y de Gualeguay”, señaló Mallarino, subrayando el valor singular del artista.

Uno de los ejes del trabajo fue una práctica curatorial que derivó en la creación de un catálogo digital, un artículo en Wikipedia y un sitio web como muestra virtual de su obra en collage, un legado fundamental para la memoria cultural de la ciudad.

La obra que ilustra el evento se titula "Escape a ningún lado", un collage sobre fotografía que representa a un preso escapando. Según Mallarino, “la dictadura es un tema recurrente en su obra de los años 80”.

Arte, memoria y territorioEl ciclo "Investigar en Artes" propone un espacio de intercambio entre estudiantes, docentes y egresados, para fomentar la reflexión crítica en torno a las prácticas de investigación artística. La actividad es libre, gratuita y no requiere inscripción previa.

Este nuevo encuentro pone en valor no solo una obra olvidada, sino también el potente cruce entre el arte marginal y el pensamiento académico, con Gualeguay como territorio de origen y símbolo de una producción cultural muchas veces invisibilizada.

La artista Beatriz Vallaro presentará su trabajo en el Centro Cultural Antiguas Lunas, ubicado en Blanco Encalada 2848, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La inauguración de la muestra, se llevará a cabo el viernes 28 de marzo a las 20 horas. Vallarlo, en la disciplina grabados, presentará una selección de veinte obras propias, realizadas con la técnica con la técnica de estampación botánica intervenida.

En diálogo con El Debate Pregón, Vallaro expresó su entusiasmo por esta oportunidad: "Es una convocatoria abierta del centro cultural para artistas interesados en mostrar su arte. Me inscribí, envié mi currículum y las imágenes de mis obras, y fui seleccionada. Me asignaron una fecha para exponer en la galería de arte, en un espacio donde conviven distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, teatro y música. Es una movida cultural muy interesante en Buenos Aires”.

El artista destacó la relevancia de esta exposición en su carrera: "El coordinador del centro, Esteban Irisarri, me confirmó que mis obras fueron aprobadas y que estará exponiendo durante quince días en el Salón Blanco. Es un honor tener un espacio en un centro cultural tan importante. Me da la posibilidad de mostrar lo que hago y compartir mi trabajo con el público y con gente del ambiente artístico”.

La muestra será individual, sin la participación de otros artistas, lo que permitirá a los visitantes sumergirse por completo en el universo de Vallaro y su técnica de estampación botánica intervenida.

El Centro Cultural Antiguas Lunas es reconocido por su variada oferta artística, que abarca exposiciones de artes visuales, presentaciones de teatro y espectáculos musicales.

La inauguración será el 28 de marzo a las 20 horas, y la exposición permanecerá abierta durante dos semanas.

Los artistas locales Beatriz Vallaro y Daniel Rodríguez lograron importantes reconocimientos en el XVI Salón Homenaje a la Mujer SAAP – Premio Raquel Forner, organizado por la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos (SAAP). Vallaro obtuvo el primer premio en la categoría Grabado, mientras que Rodríguez recibió una mención especial en Pintura.

La inauguración de la muestra y la entrega de premios se llevará a cabo el miércoles 12 de marzo en el Colegio Público de la Abogacía de la Ciudad de Buenos Aires. Este evento se enmarca dentro de las celebraciones por el centenario de la SAAP y reúne obras destacadas en disciplinas como pintura, dibujo, grabado y arte textil.

Talento local en un Escenario Nacional

En diálogo con ambos artistas, Vallaro expresó su felicidad por este reconocimiento: “Es la segunda vez que participo en este salón. La primera vez fui seleccionada y expuse en la Facultad de Derecho de Buenos Aires. Ahora recibo el primer premio en Grabado, lo cual me motiva a seguir por este camino. Utilizo la técnica de estampación botánica, que no es muy común, y creo que eso hace que mi obra se destaque”.

Además, adelantó que continuará su recorrido artístico con nuevas presentaciones: “En mayo se inaugurará el Salón de Palestina Libre, donde también fui premiada con una xilografía. Afortunadamente, estoy recibiendo varios reconocimientos”.

Por su parte, Rodríguez destacó la complejidad de la competencia y la satisfacción por el reconocimiento obtenido: “Es muy difícil destacarse en Buenos Aires, donde están los mejores del país, especialmente en el rubro de la pintura. Esta mención es otro reconocimiento a nivel nacional que me llena de orgullo”.

El artista también resaltó el esfuerzo que implica participar en este tipo de certámenes: “Es el tercer año que compito en este salón, que ya lleva 15 ediciones. Se realiza una preselección entre muchas obras y logré quedar entre los mejores 35. Participo con pocos recursos y mucho esfuerzo, enviando mis obras a los eventos a los que soy invitado, aunque no siempre puedo hacerlo por los costos. Sin embargo, estos logros hacen que valga la pena”.

El reconocimiento a Vallaro y Rodríguez confirma el talento de los artistas de nuestra ciudad, quienes continúan dejando su huella en el arte nacional.

Tal como estaba previsto, este viernes por la noche, en la planta baja de la Biblioteca Popular Carlos Mastronardi, se llevó a cabo la muestra anual 2024 de los talleres de Arte Huellas MED, que dirige Florencia Díaz, en la sede de Tucumán Nº 210.

Ante una sala colmada, se presentaron trabajos de unos 30 expositores, quienes mostraron los frutos de su dedicación y creatividad realizados durante 2024. El ambiente estuvo cargado de emotividad y reconocimiento. Vale decir que como parte de la muestra, se realizarán sorteos de diversas piezas artísticas, incluyendo un cuadro de Néstor Medrano, portasahumerios y bandejas materas.

La exposición reúne trabajos de niños, adolescentes y adultos, ofreciendo un amplio abanico de técnicas y estilos. 

Este 2025, el taller celebra su noveno año de actividad independiente, después de haber trabajado anteriormente en el marco de programas municipales y nacionales. "Hace nueve años que estamos con el taller propio”, explica Florencia Díaz. “En el caso de los adultos, muchos comenzaron con Néstor Medrano y el grupo se ha mantenido a lo largo del tiempo, sumando nuevos integrantes desde que estoy a cargo, hace más de cuatro años".

"Los niños, que van desde los cuatro hasta los 13 años, trabajan en libre expresión. Algunos realizan mosaiquismo, otros construcciones, reciclado, dibujo, pintura y porcelana. Es una propuesta muy variada", explicó Díaz. En cuanto a los adultos, su trabajo está enfocado específicamente en el mosaiquismo.

INSCRIPCIONES:

Los nuevos talleres se abrirán del 3 al 7 de marzo, y las clases comenzarán el 10 de ese mes, extendiéndose hasta enero, con un receso en febrero para preparar la muestra.

EXPOSITORES:

Grupo adultos mosaiquismo: Liliana Albornoz, María del Carmen Albornoz, Raquel C. Cardoso, María Elina García Di Ciocco, Mónica Gensón, Yolanda Mena, Luisina Reynoso, Karina Valenti.

Grupo de niños y adolescentes: Fermina Arellano, Alma Badaracco, Eugenia Carbone Berisso, Joaquín De la Fuente, Juliana De la Fuente, Alfonsina Del Antonia, Lorenzo Del Antonia, Felicitas Domínguez Plaza, Victoria Maini Cúneo, Renata Martínez, Ticiano Martínez, Leandro Morilla, Margarita Rodríguez, Benicio Rojas, Mateo Schimpf Germano.

La Biblioteca Popular Carlos Mastronardi, 25 de Mayo Nº 414, será el escenario de la muestra anual de los talleres de Arte Huellas MED que se llevará a cabo el viernes 7 de marzo a partir de las 20 horas. La exposición reunirá trabajos de niños, adolescentes y adultos, ofreciendo un amplio abanico de técnicas y estilos. Estas obras fueron realizadas durante el ciclo 2024, en la sede del taller, Tucumán Nº 210.

Florencia Díaz, docente a cargo, compartió detalles sobre la labor que se realiza en los talleres y la importancia de esta exhibición. "Los niños, que van desde los cuatro hasta los 13 años, trabajan en libre expresión. Algunos realizan mosaiquismo, otros construcciones, reciclado, dibujo, pintura y porcelana. Es una propuesta muy variada", explicó Díaz. En cuanto a los adultos, su trabajo está enfocado específicamente en el mosaiquismo.

En esta edición participarán alrededor de 30 expositores, quienes mostrarán los frutos de su dedicación y creatividad. Este 2025, el taller celebra su noveno año de actividad independiente, después de haber trabajado anteriormente en el marco de programas municipales y nacionales. "Hace nueve años que estamos con el taller propio. En el caso de los adultos, muchos comenzaron con Néstor Medrano y el grupo se ha mantenido a lo largo del tiempo, sumando nuevos integrantes desde que estoy a cargo, hace más de cuatro años", agregó la docente.

El grupo infantil, que Díaz ha dirigido desde sus inicios, ha mostrado una notable continuidad a lo largo de los años. "Muchos han estado desde pequeños y otros se van sumando con el tiempo", detalló. Además, anunció que las inscripciones para los nuevos talleres se abrirán del 3 al 7 de marzo, y las clases comenzarán el 10 de ese mes, extendiéndose hasta enero, con un receso en febrero para preparar la muestra.

Como parte de la exhibición, se realizarán sorteos de diversas piezas artísticas, incluyendo un cuadro de Néstor Medrano, portasahumerios y bandejas materas, brindando un incentivo adicional para quienes participen del evento.

Arte Huellas MED continúa consolidándose como un espacio de aprendizaje y creatividad para personas de todas las edades, promoviendo el arte como una herramienta de expresión y desarrollo personal.

La política, en su esencia más pura, es un acto de creación colectiva. Es la expresión más elevada de la esperanza humana, el espacio donde las ideas se transforman en acciones concretas, donde las palabras se convierten en derechos y donde los sueños de una sociedad encuentran caminos para hacerse realidad. Aunque a menudo sea vista con desdén o desconfianza, la política tiene una belleza que, bien mirada, es capaz de conmover e inspirar.

Esa belleza no radica en la perfección, ni en las respuestas fáciles o inmediatas, sino en la posibilidad de transformar realidades. La política, en su mejor versión, es el arte de imaginar lo posible, de tender puentes entre las diferencias, de construir consensos allí donde todo parece grieta. Es la búsqueda constante de un equilibrio entre lo que somos y lo que aspiramos a ser como sociedad. 

En un mundo marcado por desigualdades, la política se convierte en la herramienta capaz de corregir las injusticias históricas, de dar voz a quienes han sido silenciados y de iluminar los márgenes donde habitan los olvidados. No se trata solo de gestionar recursos o promulgar leyes, sino de tejer un entramado común que sostenga la vida en comunidad. Es, en definitiva, el espacio donde el "nosotros" cobra significado. 

La política tiene, además, una dimensión profundamente poética. Es allí donde los ideales encuentran refugio, donde el diálogo se convierte en herramienta y donde el futuro se construye palabra por palabra. En el debate, en la negociación y en la búsqueda de acuerdos, se despliega una danza que, aunque imperfecta, refleja la voluntad de una sociedad de avanzar junta, incluso con sus contradicciones y desafíos. 

Sin embargo, como todo lo humano, la política no está exenta de sombras. La ambición desmedida, la corrupción y el oportunismo son manchas que oscurecen su esencia y hacen que muchos pierdan la fe en ella. Pero incluso en sus tropiezos, la política conserva algo inquebrantable: la posibilidad de redención. Porque la política, cuando se ejerce con integridad y compromiso, es el arte de reparar, de sanar las heridas del pasado y de abrir caminos hacia un futuro más justo. 

En este sentido, la política se convierte en un acto de resistencia y creación. Resistencia, porque implica luchar contra el cinismo y la apatía, porque requiere enfrentarse a la indiferencia y la desesperanza. Y creación, porque implica imaginar lo que aún no existe, proyectar un horizonte de posibilidades y trabajar para hacerlo tangible. 

En un mundo que a menudo nos empuja al individualismo, la política nos recuerda que somos parte de algo más grande, que nuestras vidas están entrelazadas y que solo a través del esfuerzo colectivo podemos enfrentar los grandes desafíos de nuestro tiempo. Cambiar el rumbo de una sociedad, construir un futuro compartido, es una tarea que solo puede lograrse desde el compromiso político, desde ese acto de entrega que nos vincula con los demás.

Por eso, la política es mucho más que un conjunto de reglas o procedimientos. Es una obra en constante construcción, un espejo donde una sociedad se reconoce, se cuestiona y se reinventa. Es un espacio de diálogo, de encuentros y desencuentros, pero también de posibilidades infinitas. 

La belleza de la política no está en su perfección, porque no es perfecta. Está en su capacidad para transformar, para movilizar y para imaginar un futuro mejor. Está en ese germen de esperanza que late en cada decisión, en cada propuesta, en cada idea que busca mejorar la vida de las personas. Y es esa esperanza, profundamente humana, la que hace de la política un arte imprescindible. 

Al final, la política no es otra cosa que la expresión de nuestra humanidad, con todas sus luces y sombras. Es el acto de construir juntos, de buscar sentido en medio de la incertidumbre y de abrazar la posibilidad del cambio. Porque, como alguna vez se dijo, la política es el arte de lo posible, y en esa posibilidad radica toda su belleza. 

Julián Lazo Stegeman 

Es una joven artista de nuestra ciudad, de 20 años, que obtuvo una Mención en el 61º Salón Provincial de Artes Visuales de Entre Ríos, que convoca la Secretaría de Cultura del Gobierno de Entre Ríos y organiza cada año el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez. 

Cecilia Gallardo Obradovich fue distinguida en la disciplina pintura con la obra ¿Cómo entendemos la vejez? La inauguración y entrega de premios del concurso se realizará el viernes 20 de diciembre, a las 20 horas, en dicho museo, sito en calle Buenos Aires 355 de la ciudad de Paraná.

El Salón Provincial de Artes Visuales de Entre Ríos es el evento más importante para la comunidad artística de la provincia. En esta oportunidad participaron 78 obras en las secciones de Arte Textil, Cerámica, Dibujo, Escultura, Grabado y Pintura. Y, Gualeguay, además de Cecilia, estuvo representada con obras de Nico Benítez, Maxi Crespo y Wally Valdez.

CONCEPTOS DE CECILIA

En contacto con nuestro matutino, la flamante joven distinguida en el salón de arte provincial quien, por cierto, junto a su familia, abrieron cálidamente las puertas de su casa para la entrevista, expresó unas palabras sobre este premio y también se refirió a su incipiente, pero promisorio comienzo en la disciplina cultural. Incursiona en el arte plástico y también en escultura. Hace dos años que cursa el profesorado y tecnicatura de Artes Visuales en la ciudad de Paraná.

“Hice la obra ‘Cómo entendemos la vejez’, que presenta una pareja de ancianos y tiene todos los detalles de una casa. Me gustó reflejar detalles de la casa de mis abuelos. Y es la primera vez que participo de un concurso en Paraná; en Gualeguay sí lo he hecho. Y es la primera vez que me dan una mención y la verdad que todavía no me lo creo. Es una pintura acrílica con una placa de yeso”.

“Cómo entendemos la vejez ya muestra un mensaje lingüístico. El televisor que se muestra dice algo sobre la contención de las personas mayores de 70 años, alejadas de la población útil. Entonces, ya da mensaje de esto del miedo que tiene la gente de llegar a ser viejo o de sentirse inutilizable dentro de la sociedad, el rechazo. Estoy en contacto con gente mayor porque me gusta todo lo cultural y siempre escucho siempre esos comentarios: “Ay, no me gusta ser viejo”, porque lo consideran inútil. Entonces se me ocurrió plantear una escena en este contexto. Creo que lo valioso de la pintura es que si bien muestra a dos personas mayores no se los presenta en un típico cuadro todo marrón y ellos sentaditos y chiquitos, sino que la obra es refleja un color predominantemente naranja intenso, entonces llama la atención y hay una televisión con letras naranjas y llama la atención verla”.

“Obvio voy a continuar”, asegura Cecilia al ser consultada sobre este camino del arte que ha emprendido. “Estoy todo el tiempo pintando. Estas obras no las pinto solamente para que las vean, sino que también lo hago porque soy joven y tengo que practicar mucho”.

“Creo que a la gente que le gusta el arte, incluso, en algunos casos no sé si le gusta, pero necesita hacer obras todo el tiempo y yo soy así. Y, (previo al concurso) estuve pintando un montón de cosas y la última pintura que tenía la presenté. No la elegí por el hecho de pensar ‘Uh, cuál es la más linda y la presento’. Fue así que vi la obra cuando estaba por empezar el concurso, se la mostré a papá y él me dijo… “No sé” (risas).

“Estoy haciendo el profesorado y licenciatura de Artes Visuales en Paraná con orientación en esculturas”, comenta Cecilia. “Agradezco (por este logro) a mi familia porque en realidad ellos dimensionan mucho más esto que todavía no entiendo muy bien y me lo hacen valorar. También agradezco a mis profesores, a mis compañeros facultad porque me han llevado a estar en un círculo de arte al que uno valora. Fuera del mismo por ahí no se tiene tanto valor al arte y te dicen: ‘¿Por qué vas a estudiar esto? Pero estar en el círculo ya es distinto; es otro mundo y ves que hay más posibilidades”.

“Hace dos años que estoy en Paraná, el primer año no llegué a concursar y este sí, y a partir de ahora se sumaré a cualquier convocatoria”, explicó.

En relaciona llevar adelante alguna exposición con sus trabajos artísticos, señaló: “Tengo ganas. Hay un club de arte en Cooparte, que se llama Club Cigarra donde estamos organizando unas muestras. Así que, en enero, vamos a hacer algo de eso en Gualeguay, una muestra colectiva”.

Sobre sugerencias a otros potenciales artistas que se inician, Cecilia, asevera: “Todo es hacer. Cuando a uno le gusta el arte por ahí no lo valora, pero si siente que tiene la necesidad de hacerlo porque “ah, me encanta el arte, pero cada tres meses agarro un lápiz…”. El amor al arte se forma, no que es uno nace con eso. Entonces si va por ahí, realmente es una opción, no es un sueño lejano vivir del arte. Cuando uno se incorpora en un círculo se da cuenta que vive una realidad que comparte con muchas personas, que no es un cuento de hadas y que es posible en Gualeguay, Paraná, Buenos Aires, Nueva York. Arte es querer comunicar algo. Todos son mensajes”.

El pasado viernes, 8 de noviembre, quedó inaugurada una muestra de pintura, que tiene la particularidad que, fue realizada durante entre el trascurso del año, en vivo, con distintos artistas, profesores y aprendices que se animaron a plasmar delante de los presentes, su habilidad con los pinceles. 

La inauguración estuvo a cargo del artista y Prof. Daniel Rodríguez, y el dueño del lugar Guillermo Fiorotto, expreso: “es un honor que hoy este lugar cuente con 18 obras que quedaran de manera permanente embelleciendo el lugar, fue maravilloso ver como distintos domingos durante el año, estas obras se fueron haciendo realidad. Este es un lugar abierto a las inquietudes artísticas y tratamos de llevar adelante los proyectos que enriquecen la cultura de nuestra ciudad”.

Las personas que participaron pintando fueron: María Giles, Andrea Martínez, Gian Carboni, Daniel Rodríguez, Daniela Pérez Shafer, Enzo Yamín, Matías Sánchez y los jóvenes: Magalí Luna (14 años), Gael Berón Farias (14 años) y Felipe González (15 años).