La sala de la Biblioteca Popular “Carlos Mastronardi” se vio desbordada este domingo. Hubo que sumar sillas para recibir a un público que respondió con atención y sensibilidad a la propuesta de Fernando “Quena” Taborda, quien llegó a Gualeguay con su proyecto “Luminar”, acompañado por músicos locales: Ricardo “Cary” Pico, Juan Etcheverry, Raúl Ponce, Julio Acosta, Martín Ahibe y Héctor Cabello, en una velada organizada por TANGualeyo. “Quena” no solo ofreció un concierto: planteó una experiencia. Una búsqueda que, según explicó en la entrevista, se aleja de los repertorios tradicionales para centrarse en la creación propia, en el sonido crudo y en la conexión con lo interno.“El vínculo con la música es familiar, directamente. Mi padre era melómano, se juntaba con amigos a escuchar discos. Yo era chico y andaba por ahí, escuchando. Había música clásica, tangos, Almendra, Mercedes Sosa, Mozart, Piazzolla… ellos escuchaban y comentaban, y yo jugaba alrededor”, recordó. Ese primer contacto se dio en Concepción del Uruguay, donde también asistía a conciertos organizados por agrupaciones locales. “Mi viejo no era músico profesional, pero siempre estuvo cerca. Cuando le dije que quería estudiar, me apoyó. Me dijo: ‘Si vas a estudiar, te compro la guitarra’”. El inicio fue con ese instrumento, aunque pronto aparecería el bandoneón. “Yo quería tocar la guitarra eléctrica, escuchaba música de la calle, pero después me di cuenta de que la música de mi casa era mejor. Ya tenía una formación musical, y cuando escuché el bandoneón, cambié de instrumento. Eso me permitió acelerar el proceso”.

Su formación se consolidó en Buenos Aires, donde estudió con referentes como Rodolfo Mederos e Ismael Espínola. “En los años 80 todavía había muchos músicos de la época de oro del tango, y teníamos acceso directo a ellos. Después eso se fue perdiendo”. 

Sin embargo, su presente artístico se aleja del tango tradicional. “Desde la pandemia en adelante no hago más tango como repertorio. Tengo el lenguaje, porque lo aprendí, pero compongo mi propia música. No preparo repertorios de tangos clásicos para trabajar. Siento que tengo herramientas para hacer lo mío”. En ese camino se inscribe “Luminar”, la propuesta que presentó en Gualeguay. “Es estar despojado de toda tecnología. Poner a la persona con su instrumento, sin micrófono, sin nada. Es crudo. En un mundo donde todo es digital y manipulable, acá es lo que sos”.

Esa búsqueda convive con otro extremo creativo: un proyecto de música electrónica llamado “Tango Machine”. “Trabajo con sonidos virtuales, con un programador musical. Es lo opuesto a Luminar. En un lado no hay nada, y en el otro hay de todo. Pero en ambos casos es música mía”. Para Taborda, esa decisión no es casual. “Hoy es más fácil hacer covers. Suena bien porque las canciones ya son buenas. Pero para mí eso es comodidad. Yo ya pasé ese proceso. Ahora hago lo mío, como me salga, pero sé que es genuino”.

La respuesta del público en Gualeguay fue una confirmación. “Me recibieron muy bien. La gente estuvo sensible, escuchó, pudo viajar un poco. Si logré tocarle la fibra a alguien, cumplí la tarea. Mi objetivo no es el entretenimiento: es despertar conciencia”. En ese sentido, “Luminar” propone algo más que música. “Es una invitación a mirarse hacia adentro. Hoy estamos llenos de estímulos externos, del celular, de lo fragmentario. La música pasa a ser un acompañamiento y no una experiencia. Yo quiero lo contrario: que te escuches”.

El vínculo con Gualeguay, además, no es nuevo. “Siempre vine, siempre me gustó. Es una ciudad con mucha poesía, con movimiento cultural. Me siento muy bien acá, me siento un poco de Gualeguay. Tengo amigos y siempre me abrieron las puertas”. De cara al futuro, el bandoneonista continuará desarrollando ambos proyectos. “Voy a seguir con Luminar, sumando temas y mejorándolo. Y en paralelo con ‘Tango Machine’, que es la nueva propuesta. También estoy trabajando en mi tercer disco de música propia”.

En un contexto que reconoce como adverso para la producción musical, Taborda apuesta al trabajo interno. “No puedo sostener proyectos grandes hoy, entonces me dedico a estudiar y escribir. Es un momento de estar más adentro que afuera, preparando lo que vendrá”. Y dejó una definición que resume su posicionamiento artístico: “Todos los músicos estamos capacitados para crear. Hay que animarse. Expresar lo que te pasa. Yo no digo que lo mío sea lo que vale, es simplemente lo que hago. Pero es mío”.

Los tres hermanos Eduardo, Roberto y Mario Kennedy, estancieros de ascendencia irlandesa afincados en el departamento La Paz, radicales, lideraron una de ellas en enero de 1932 en su pueblo. La rebelión se cocinó en el sur de corrientes con un tal Jauretche en las huestes, pero rápidamente fue abortada por problemas de comunicación de aquella época y terminó con este hombre y otros sediciosos presos, mientras los hermanos huyeron y se exiliaron en Paysandú, República Oriental del Uruguay.

           Dentro del contexto histórico, un paisano bonaerense llegó para integrar las filas y es a quien quiero referirme.

           El hombre llegó con su esposa -pareja o concubina- y como él mismo lo relata: a Cuchilla Redonda, luego a Rosario del Tala, afincándose en Urdinarrain donde nació la primera hija del matrimonio. Desde allí, se dice –o él o sus biógrafos comentan- que partió a participar en la revolución de los hermanos en La Paz. Su nombre: Héctor Roberto Chavero.

           Lo que se relata y se escribe después solo remite a conjeturas, dadas las fuentes de historiadores que no presentan evidencias certeras de su participación. Solo leyendas a mi entender. Que Chavero huye con los hermanos a Paysandú (no hay pruebas de que así haya sucedido, que es su primer exilio como “payador perseguido”), en fin: la creación de su propio mito.

           Sucedida la fracasada revolución, seguí por otro lado la presencia de un cantautor y guitarrista en Gualeguay en 1935. Teniendo acceso a las actas de la Sociedad Fomento Educacional, obtengo copias de una asamblea de la comisión directiva realizada el 22 de enero de aquel año. Se lee: “El señor secretario dice que en forma particular tiene conocimiento que el señor Atahualpa Yupanqui, “guitarrista peruano”(encomillado del redactor) se encuentra actualmente en Paraná dando conciertos que son recibidos entusiastamente por el público y la crítica y que por una remuneración de Cien Pesos moneda legal vendría a Gualeguay a dar uno o dos conciertos(…)” Aceptada la moción, se lee en líneas más abajo que “debe nombrarse la Comisión Auxiliar de Señoras y Señoritas(…) Entre ellas, una joven Emma.

           En Acta de Sesión especial del 26 de febrero de 1935: “Ultimar detalles del concierto(…) y que “A.Y. llegará a esta ciudad el 28 del corriente por la noche y que por Cien Pesos de moneda legal ofrecerá un concierto de guitarra el 1º de marzo, realizándose en el Cine-Teatro Palacio Variedades.” Y se resuelve: “1º) designar (…) a los señores Beracochea, Mastronardi y Ortiz (integrantes de la comisión directiva de la institución) para que reciban y agasajen al Sr. Yupanqui ofreciéndole un vermouth en el local social el 1º de marzo a las 19 horas.”

           Pensé y me cuesta imaginar qué habrá sucedido en el ágape del “vermú” con los ilustres personajes aunque todavía no lo eran, esos intelectuales, escritores fundando sus propios cimientos literarios y artísticos que andarían como albañiles pegando ladrillos de papel para construir su obra futura.

           Unos días después en otra acta, se acepta la renuncia a la Comisión Auxiliar de la joven Emma.

           En la hemeroteca de El Diario de Paraná encontré varias notas de sus actuaciones antes de llegar a Gualeguay. Pensando que el itinerario fue de la capital provincial hasta aquí, Atahualpa regresó a Buenos Aires y luego dio su último concierto en el Palacio Variedades para luego emprender su viaje a caballo hacia el noroeste argentino.

           El repertorio folklórico se publicó en diarios de la época para atraer espectadores. No se leen ecos en letra impresa del paso de A.Y. por Gualeguay. Intenté encontrar partituras del programa ofrecido pero son inexistentes. Su primera grabación fue años después con otras obras.

           En el seguimiento de su paso por Entre Ríos revisé los lugares por donde –según él- había estado antes de llegar a Rosario. La escasez de fuentes impresas de la época en esos pueblos frustró la investigación para reconstruir la veracidad de sus dichos.

           Aquel revolucionario H. R. Chavero se convirtió en Atahualpa Yupanqui. Además de su primer hija Alma Alicia nacida en Urdinarrain, tuvo dos hijos más (Atahualpa Roberto y Lila Amancay) con su compañera –dicen algunas fuentes que era su prima- Alicia Martínez (fallecida en 1937), que abandonó en Córdoba por problemas respiratorios de salud, que no vio más a esos hijos y su madre, que fue otra vez padre de Quena del Valle con la pianista Lía Valdés en Tucumán hasta su enamoramiento de “Nenette” (Antonietta Paule Pepin Fitzpatrick), pianista que integró el dueto Pablo del Cerro-A.Y. con un vasto repertorio de música y cancionero argentino, con quien tuvo su último hijo: Roberto “Coya” Chavero.

           Desde su fuerte personalidad y su cinismo, Chavero o Yupanqui siempre dio rienda suelta a su lengua como un látigo. Numerosas anécdotas de sus desplantes y comentarios sobre otros artistas del género son muestras de su ego, su narciso y supuesto dueño de la verdad, aunque festejadas por eternos aduladores y fundamentalistas “yupanquianos”. Su pelea con Jorge Cafrune tomó estado público ante una solicitada escrita por el “Turco” ante tantas ninguneadas de “Don Ata” contra él y otros artistas, músicos y cantores.

           Como abogado del diablo, creo que siempre alimentó su mito nacido de su propio ombligo.

           Pero el reverso de este ser contradictorio y humano, no opaca el brillo del anverso con su obra legada en piezas instrumentales y canciones que siguen nutriendo repertorio a nuevas generaciones para que aquel sentimiento, en una sociedad donde prima el olvido vertiginoso, ayude a repensar y reparar la memoria sostenida en estos tres pilares fundamentales del Maestro Paulo Freire: “la educación como futuro, la ciencia como desarrollo y la cultura como identidad” y así  recuperar el bien tan preciado: la defensa de la soberanía nacional y los valores argentinos. Es decir nuestra Patria, la Patria Grande y la Patria Chica.

l concierto, producido por TANGualeyo, no solo contará con la presencia de Taborda, sino que sumará al escenario a un grupo de destacados músicos invitados:   Ricardo “Cary” Pico, Raúl Ponce, Julio Acosta, Martín Ahibe, Héctor Cabello y Juan “Negro” Etcheverry.Taborda, se destaca como bandoneonista, compositor, arreglador y director, y llega con una propuesta que busca reflejar la Buenos Aires contemporánea.

Según sus propias palabras: “Luminar es un repertorio para bandoneón de obras propias que nace de un gesto contra la velocidad y la liviandad de estos tiempos donde las emociones se vuelven superficiales. Luminar invita a escuchar con el alma y dejar que la música nos devuelva lo humano”.

Taborda, quien se destaca como bandoneonista, compositor, arreglador y director, llega con una propuesta que busca reflejar la Buenos Aires contemporánea. Su música es descrita como una suerte de “blues porteño” que combina la vibración urbana con un mundo íntimo, logrando una paleta rica en emociones y sensibilidad que transita por climas tangueros y rioplatenses. Esta búsqueda de nuevos horizontes musicales es una constante en su carrera, donde ha fusionado el tango con elementos del jazz y el rock.

Músicos invitados y producción local

El concierto, producido por TANGualeyo, no solo contará con la presencia de Taborda, sino que sumará al escenario a un grupo de destacados músicos invitados:  Ricardo “Cary” Pico, Raúl Ponce, Julio Acosta, Martín Ahibe, Héctor Cabello y Juan “Negro” Etcheverry.

Trayectoria de un investigador incansable

Con una extensa carrera, Fernando Taborda ha integrado prestigiosas formaciones, como la Orquesta Típica de Rodolfo Mederos y la de Daniel Binelli, y ha colaborado con artistas de la talla de José Ángel Trelles, Lidia Borda y Ariel Ardit. Además de su labor como intérprete y director de agrupaciones propias como La TaborBand, se desempeña como docente y coordinador del área de Tango en la Escuela de Música de Buenos Aires (EMBA).

Su discografía reciente incluye trabajos como Bitácora (2023) y los singles El Sueño del Pulpo (2022) y Cuarentena (2021), consolidando un camino de autenticidad donde lo universal —el amor, la soledad y los sueños— se convierte en música.

La presentación de este domingo en la Biblioteca Mastronardi promete ser una colección de "postales emocionales de nuestro tiempo", invitando al público a un viaje sonoro singular y humano.Reserva de entradas: 3444-443102 

Hay hombres que eligen un camino. Y hay otros, menos frecuentes, que “lo van haciendo al andar”, como diría Machado. En el caso de Felipe Olivera, el tango no fue una opción artística ni una etapa en su carrera: fue una forma de estar en el mundo, “un sino”, según las palabras de su hija. Una manera de decir, de mirar, de pararse. De actuar. De sonreír y hacer reír a los demás. Una identidad.

“Mi papá fue especial, desde niño fue especial”, dice Selva Olivera, y abrimos una puerta de entrada a una historia que lo confirma. Porque antes de las orquestas, antes de los festivales, antes incluso de que el tango se volviera su bandera definitiva, ya estaba ese chico de cuatro o cinco años en el viejo boliche de Barneda. “Ahí se subía y cantaba y le pagaban con un naranjín o una golosina. Dice que siempre cobró”, recuerda Selva. Y en ese detalle hay algo más que una anécdota simpática: hay una declaración de principios. Así se cuenta en “Los olvidados”, el libro de Victoria Moreno y Silvina Godoy que mencionan al bar de Barneda, entre otros: “Otro cliente asiduo de Barneda fue su sobrino, de tan solo 4 años: Félix Olivera o "Felipe" para la mayoría de nosotros. Lo subían al mostrador del Bar y cantaba. Recibía como pago, caramelos. - "Ya desde los 4 años fui profesional del tango"- decía muy divertido "Felipe", y a esas pruebas se remitía.(…) Felipe contaba: - “Qué difícil era cruzar la calle ancha cuando había barro y llegar hasta el bar". De ahí surgió aquel dicho:- "¿cruzar la calle ancha y con barro...?- iSolamente Dios y por arribita!".

La escuela más antigua de todas

Para Felipe Olivera, la música nunca fue un pasatiempo. Desde el principio fue oficio, trabajo, compromiso. No pasó por conservatorios ni academias. No estudió música de manera formal, pero se fue formando a su manera. Esa es una de las claves que repiten quienes lo conocieron. “Mi papá nunca estudió música pero sabía música. Tenía un oído extraordinario”, cuenta Selva. Y esa sabiduría, construida en la práctica, en la escucha, en la repetición y en la calle, es la que lo fue formando como cantor. En su infancia y adolescencia, en el barrio fue el territorio donde se moldeó ese vínculo con la música. Allí aparecen figuras como Juan Silva, guitarrero de serenatas, y un entorno social y económico donde la música era la banda de sonido de una vida cotidiana muy distinta a la actual. Las serenatas, las reuniones familiares, las guitarras que pasaban de mano en mano, todo eso fue su escuela. “Las reuniones eran en casa de familia, y todo eso estaba a la orden del día”, recuerda su hija.

De orquestas y  destino

Como tantos músicos de su generación, Felipe transitó primero el camino de los grupos y las orquestas bailables. Era la época en que la música se dividía, como explica Cary Pico, entre “típica” y “característica”: la primera, dedicada al tango; la segunda, a la música bailable, la cumbia, lo popular. Felipe hizo de todo. Tocó folclore con sus hermanos, integró grupos como Siglo XX, Combo Playero, Los Imperiales. Pasó por formaciones importantes como la orquesta de Tito Martín, el grupo Pimienta (que luego sería Arcano) y Conjunto América. Era el recorrido lógico de un músico que necesitaba trabajar, sostenerse, tocar donde hubiera que tocar. Pero en algún momento, esa doble pertenencia dejó de ser suficiente. “Después abandona lo que se decía la música comercial para cantar tango”, dice Selva. Y lo dice como quien marca un antes y un después. Porque ahí empieza otra historia. “Cantar tango era su pasión … el tango era su sino”.

El cantor en su escenario

Si hay algo en lo que coinciden todos los testimonios es en la potencia escénica de Felipe Olivera. “El Feli era un cantorazo. Y aparte era un showman”, dice Cary Pico uno de sus compañeros. Pero ese “showman” no es un artificio ni una pose. Es una construcción hecha de años de oficio, de escenarios recorridos, de públicos con los cuales volverse cómplice. “Tenía escenario. No tenía ningún problema en levantarse y seguir cantando a capela, pasar por las mesas y cantarle a la gente casi personalmente. La gente se extasiaba”, define. Y ahí aparece algo esencial: la relación directa, casi íntima, con quienes lo escuchaban. El Turco Ahibe lo sintetiza de otra manera: “Tenía una forma de hacerlo muy particular, muy personal. Me emociona cada vez que lo recuerdo”.

Dueño del arte de emocionar

Felipe Olivera no era solo un buen cantor. Era, sobre todo, un intérprete. De esos que no se limitan a ejecutar una canción, sino que la encarnan. “Cuando escucho esos temas de La Vieja Guardia es como si él cantara. Hay otro interpretando, pero mi cabeza resuelve esa canción con la voz de él”, dice Selva. Esa capacidad de apropiarse de una canción, de volverla propia, es la que distingue a los grandes.

Cary Pico recuerda algunos de sus temas emblemáticos: Pobre gallo bataraz, Portero, suba y diga, tangos de la vieja guardia que Felipe interpretaba con una intensidad particular. “Le ponía una polenta tremenda”, dice. Una vez Cary fue convocado por Nora Ferrando a acompañar un coro de voces que se estaba formando. Cary les propuso hacer El día que me quieras y que la voz principal fuera de Felipe Olivera. “Fue apoteótico. Era como cantar con Pavarotti”, se emociona.

La vida alrededor

Pero la historia de Felipe Olivera no se reduce al escenario. Porque, como todo artista popular, su vida estaba atravesada por múltiples dimensiones. Era pintor de autos. Era pescador. Era hombre de río. “El amor por la naturaleza, el río, los animales. La empatía por el dolor ajeno”, enumera Selva como parte de su legado. También era un hombre generoso. “Se iba a cazar carpinchos y te traía una pata. Compartía todo”, recuerda Cary. Quien también destaca su compromiso social, otra de las cosas que los unió. Y tenía humor. Mucho humor. “Cantaba un tango, contaba un cuento, hacía reventar de risa a todos. Y salía con otro tango”, dice Cary. Se movía como un equilibrista entre emoción y humor, entre profundidad, seriedad y cercanía. Uno puede imaginar ahí la raíz de su magnetismo.

La bohemia y el estilo

Felipe también era un personaje en sí mismo. “Empilchaba como los dioses. Iba a comprar camisas de seda italiana a Med Mad (Medina Maddoni)”, cuenta Cary. La imagen del cantor elegante, cuidado, es inseparable de la tradición del tango. Y él la asumía con naturalidad. Pero esa vida bohemia también tenía tensiones. “Y después tenía problemas con el padre porque estaba de joda, tocando, y no iba al taller”, recuerda. Una vez más se recreó el conflicto clásico entre el mundo del trabajo tradicional y la vida artística. Sin embargo, en la época de Felipe, había otra consideración para los cantores.

Su historia también es la historia de una época en Gualeguay. Una época de orquestas, de bailes en clubes, de festivales. “Gualeguay le canta al turismo”, “Cantando en el Río”, las fiestas populares donde la música era central. Felipe fue protagonista junto a esos grandes gestores culturales. Formó parte de los Músicos Populares, una asociación que reunía a lo mejor de la escena local. Era, como dice el Turco Ahibe, “parte de la historia del tango en Gualeguay”.

Un final anticipado y sorpresivo

La muerte de Felipe Olivera, en medio de la inundación de 2007, aparece en los relatos como un golpe brutal. “Una pérdida irreparable”, dice Cary. El contexto agrava todo. “Entró caminando y así como entró, se quedó”, recuerda. Hay menciones a una posible mala praxis, a un abandono. Pero más allá de eso, lo que queda es la sensación de injusticia, de algo que no debía haber pasado así.

La voz que sigue

Sin embargo, la historia no termina ahí. Porque hay algo que permanece. Selva lo dice con una convicción que atraviesa el texto que le dedicó (Cuando el adiós es imposible): “Un artista deja el legado a su pueblo y nunca se marcha”. Y propone una escena casi ritual para seguir evocando su voz: salir temprano, caminar por la ciudad, escuchar una radio. “Ahí lo encontrará… en cada tango amanecido”. El texto de Selva, que generosamente compartió con nosotros, es una pieza íntima de esta reconstrucción. Allí aparece el vínculo padre-hija en toda su dimensión: la admiración, el acompañamiento, la cotidianeidad. “Yo siempre estuve ahí, como su mejor y primer público”. Recuerda haberlo seguido desde adolescente, haber grabado sus actuaciones, haber armado con su hermana un CD casero como regalo. “Me llené de cassettes que no supe muy bien a cuento de qué los amontonaba. Pero era tan hermoso escuchar esa voz que siempre me embelesaba.”. También aparecen las escenas domésticas: los chupetines que le traía incluso de grande, las discusiones familiares que se olvidaban en el postre, las bromas, los abrazos. “No nos quedaron cuentas pendientes porque nos abrazamos tanto, tanto”, resume. Ese CD que armaron hoy se puede disfrutar en YouTube: se llama “Felipe Olivera Compilado”. Compartimos el enlace en nuestra versión digital. 

Cary Pico, además de recordarlo, le escribió una canción. Le agradecemos también que haya compartido este homenaje con nosotros. Aquí va:

Canción para Felipe Olivera (Ricardo “Cary” Pico)Quiero poner cuerda al corazónse ha silenciado sin razónquien fuera el último cantor: la voz del tango arrabalero,un artista milonguerocon sonrisa de Guasón.

Debo hacer de tripas mi canción,hallar el eco, la emociónpidiendo a la inspiración:carnada pal pescador,macilla para el pintor,bordonas para el cantor.Esta noche los recuerdosvuelven, SE TIRAN CONMIGO, vienen CORTANDO CAMINO y SILBANDO esquivo TU OLVIDO.Hay que vencer a la penaen tan profunda SOLEDADpara que vuelva a la arena el POBRE GALLO BATARAZ. A no callar, VIEJA VIOLAese TANGO DE OTROS TIEMPOSque a pesar del DESENCUENTROla muerte no callará. 

Quiero poner cuerda al corazón,se ha silenciado sin razónquien fuera el último cantor,tenor de la guardia vieja,la voz de cuántas orquestasque tanto baile animó.

Debo hacer de tripas mi canción,hallar el eco, la emoción, lo que el Maestro nos legó:anécdotas que evocar, un cuento para contar un tango para cantar.

Esta noche los recuerdosvuelven, SE TIRAN CONMIGO, vienen CORTANDO CAMINO ySILBANDO esquivo TU OLVIDO. Junto a tu voz celestina- NOSTALGIAS de carnaval -mi guitarra y la del Ratade serenatas saldrán. A no callar, VIEJA VIOLA, ese TANGO DE OTROS TIEMPOS, que a pesar del DESENCUENTROtu muerte no callará

Epílogo

Nombrar a Felipe Olivera es, como dijeron sus amigos, nombrar una parte de la historia de nuestra música y nuestra cultura. Es hablar de una forma de vivir la música que ha quedado atrás. De un tiempo en que las canciones se aprendían de oído, en que las orquestas tocaban todos los fines de semana, en la que el público y el artista compartían el mismo espacio. Logró algo muy difícil que es asociar su nombre a un sonido que es parte de nuestra identidad. Dejó una huella profunda: “Fue y es Felipe Olivera, que es lo mismo que decir tango”, escribe Selva. Y quizás ahí esté la síntesis más precisa. También que lo destaquen como persona dondequiera que usted pregunte. Hay nombres que designan personas. Y hay otros que, como el de Felipe Olivera, terminan nombrando algo más grande. El sonido y el alma de un pueblo.

En el escenario estuvieron Hugo Mena y su hijo Celestino Mena, quienes compartieron una presentación especial en la que, por primera vez en mucho tiempo, invirtieron los roles.

“Bueno, en realidad es el destino que en este caso invertimos los roles, generalmente. Él anda conmigo, en este caso ando yo con él, acompañándolo”, explicó Hugo, dejando en claro que esta vez el protagonismo era de su hijo.

Celestino atraviesa un momento bisagra: esa noche fue su despedida de Gualeguay antes de partir a Buenos Aires para comenzar el profesorado de música.

“Bueno,  es especial porque es mi último día acá en Gualeguay y ya después parto a arrancar mi estudio en Buenos Aires, el profesorado de música, así que es bastante especial. Hacemos un repertorio bastante amplio en lo que ha sido todo este año junto a mi papá, junto a las cosas que he vivido con la música, con la guitarra, muy contento y vamos a ver que salga todo muy bien”, expresó con emoción. 

“Bueno, vamos a hacer de temas desde el principio hasta por ahí que a muchos que el público conoce. Vamos a tener zamba, chamamé, nuestra vida pasa por el Chamamé y la música del litoral. Rasguido Doble, Chamarrita, todo el repertorio litoral va a estar va a estar esta noche con nosotros”, adelantó Celestino.

Más allá del show, la noche tuvo un fuerte componente afectivo. Padre e hijo no solo comparten escenario: compartiendo vida.

“Bueno, la verdad muy especial compartir con la gente nuestra, primeramente compartir y con papá que que somos muy unidos los dos. Más allá de cumplir el rol como compañeros de música, somos compañeros de vida también, es una cosa hermosa venir acá y saludar a todos los conocidos nuestros, gente que queremos”, contó Celestino.

Hugo, por su parte, destacó la importancia de estos espacios culturales: “Sí, les agradezco a ustedes que están cubriendo estos espacios donde esto se hace visible y con muchísima gente para que puedan ver a los gurises”

Durante la entrevista posterior a su presentación, Mateo y Dulce —integrantes del grupo— repasaron los inicios de la banda, su recorrido y el presente artístico que atraviesan.

La formación de Merienda Especial surgió a partir de una necesidad concreta dentro del proyecto musical. Según explicaron, el vocalista Tito González buscaba incorporar un tecladista para completar el sonido de la banda. Fue entonces cuando se sumó Dulce Garay, quien en 2023 había comenzado su formación musical en la escuela de música MIM, actualmente ubicada en la Escuela Chiclana.

“Yo empecé con la música en 2023 en la escuela EMMIM. Mi profesor de piano es Mauricio González, que es un muy buen profe. Tito iba conmigo y le hacía falta un tecladista, así que acá estoy”, relató Dulce.

La joven explicó que, si bien también toca guitarra de manera autodidacta, el teclado es el instrumento con el que se siente más identificada. “Aprendo por cuenta personal otros instrumentos, pero el teclado es lo principal, es con lo que más me llevo”, señaló.

Por su parte, Mateo destacó que los integrantes del grupo cuentan con formación y experiencia previa. El vocalista estudia canto, él se desempeña en guitarra, Dulce en teclado y el bajista acumula varios años tocando. Esa combinación de estudio y práctica les permite consolidar un proyecto con bases técnicas sólidas.

Consultados sobre su trayectoria en vivo, los integrantes coincidieron en que no se trató de su primera presentación. “Tenemos bastante experiencia tocando en el escenario. Es una experiencia hermosa, la verdad, es inexplicable el sentimiento de estar arriba”, expresaron.

La participación en el ciclo municipal representó una nueva oportunidad de mostrar su trabajo ante el público local. Si bien no han realizado giras fuera de la ciudad, han concretado varias fechas dentro de la zona, con presentaciones consecutivas en distintos espacios.

El evento en Plaza Constitución volvió a confirmar el vínculo que la banda mantiene con la comunidad. En un escenario al aire libre, compartiendo cartel con otros artistas locales, Merienda Especial aportó su repertorio y su estilo propio a una propuesta cultural que busca fortalecer la escena musical de la ciudad.

Uno de los aspectos centrales que la banda destacó durante la entrevista es la forma en que trabajan las canciones. Más allá de interpretar temas conocidos, Merienda Especial apuesta a la reversionación.

“Conocemos las canciones de memoria, pero las hacemos a nuestro estilo. Nos encanta reversionarlas, agregarles nuestros detalles y que terminen quedando con nuestra impronta”, explicaron.

Ese proceso implica adaptar arreglos, modificar matices y construir una identidad sonora que los diferencie. La intención no es reproducir de manera exacta las versiones originales, sino apropiarse de ellas desde una mirada artística propia.

Además de las presentaciones en ciclos culturales, la banda confirmó que se encuentra disponible para eventos privados. Cumpleaños, fiestas de 15, casamientos y celebraciones sociales forman parte de las propuestas que pueden integrar su agenda.

“Ya tocamos en un cumpleaños familiar del vocalista. Estamos disponibles para cualquier evento”, indicaron. Las tarifas, según detallaron, varían de acuerdo con la cantidad de canciones, la duración del show y las condiciones de cada contratación.

Para quienes deseen contactarlos, informaron que se encuentran en Instagram como merienda_especial, donde también se pueden acceder a sus demás redes sociales.

Al cierre de la entrevista, Mateo y Dulce dedicaron palabras de agradecimiento a quienes acompañan el proyecto desde sus inicios. “Queremos agradecer a nuestras familias, que siempre nos apoyan, y a la municipalidad por la invitación y por darnos la posibilidad de tocar y compartir este momento”, expresaron.

Con una base de formación musical reciente pero firme, experiencia en escenarios locales y un enfoque creativo en la reinterpretación de canciones, Merienda Especial continúa consolidando su presencia en la escena artística de la ciudad, sumando presentaciones y ampliando su repertorio en cada nueva oportunidad.

Por cuestiones de logística, desde la organización informaron un cambio de lugar, trasladando el evento originalmente previsto a la Plaza San Martín, espacio emblemático que será escenario de una noche colmada de ritmo, encuentro y talento local.

La velada contará con la presentación de Manantial Gualeyo y Los Sureños del Chamamé, dos propuestas musicales que compartirán su repertorio con el público, ofreciendo un recorrido por sonidos arraigados a la identidad regional y popular.

Además de la música en vivo, la jornada estará acompañada por la participación de artesanos locales, quienes expondrán y ofrecerán sus producciones, sumando creatividad, tradición y trabajo independiente a este encuentro cultural al aire libre.

La actividad será con entrada libre y gratuita, y desde la organización invitan a la comunidad a acercarse con reposera para disfrutar en familia o con amigos, apoyando a los artistas y artesanos de la ciudad.

“Al Ritmo de los Artistas Locales – La Plaza Suena” propone consolidarse como un espacio de encuentro donde la cultura, la música y la comunidad se unen en un mismo lugar, fortaleciendo la identidad local y promoviendo el acceso libre a expresiones artísticas.

Juan Falú volvió a Gualeguay este jueves para presentarse en la Biblioteca Popular Carlos Mastronardi, en una noche que desbordó la capacidad de la sala y confirmó, una vez más, el fuerte lazo entre el referente de la música popular argentina y el público entrerriano. Antes del concierto, dialogó extensamente con El Debate Pregón sobre ese vínculo, su presente artístico, la cultura en un momento de intemperie y la guitarra como memoria del país.No es la primera vez que viene a Gualeguay, y tiene un vínculo con Entre Ríos, con la música de acá también: “La vida artística me hizo venir muchas veces a Entre Ríos y fue siempre muy importante para mí”, señaló. Falú recordó que sus primeras aproximaciones a la provincia: “Empecé a venir cuando yo estaba abriéndome el camino después de mi regreso al país, con la reapertura democrática. Y fue muy bueno venir acá porque encontré una provincia muy guitarística”.Ese encuentro temprano marcó una relación profunda: “Rápidamente entré en contacto con los referentes de la guitarra: con el Zurdo Martínez, con Walter Heinze, con Ernesto Méndez. Luego con muchos discípulos de ellos, como Silvina López, como Maru Figueroa, y no sigo nombrando porque son muchos y muchas realmente. Siempre hubo un vínculo afectivo importante y un vínculo musical importante con Entre Ríos”. Para Falú, ese abrigo fue decisivo: “La verdad que es una de las provincias que más me abrigó en ese camino que yo estaba iniciando”.Consultado sobre la identidad cultural entrerriana, Falú subrayó una cercanía particular: “Lo que yo sí siento es la cercanía entre Entre Ríos y Uruguay. Eso lo percibo en muchos gestos”. También mencionó el lazo musical que comparte con Liliana Herrero: “Ella tiene una memoria entrerriana, digamos, así que entre la de ella y la mía, que es tucumana, tuvimos intercambios muy buenos, además de los musicales”. Sus visitas siempre tuvieron ese sello del artista que anda por los bordes a pesar de su consagración: “Vine muchas veces. Hoy me contaba Sabina Lardit, una gran amiga, que siempre tuvo algo que ver con mis venidas y tiene memoria: son muchísimas”. Y así lo confirmó Sabina al recordar que tocó en el mítico espacio La Candela y también en un garaje, por citar un par de ejemplos. Docencia, cultura y política

Falú habló también de su presente, marcado por una fuerte actividad artística tras dejar la docencia universitaria: “Creo que en pandemia dejé de dar clases. Y también pienso que había cumplido un ciclo, de casi 35 años de docencia, de generar espacios académicos para transmitir la música argentina. Esos espacios están consolidados y yo sentí que había cumplido un ciclo”. Aunque reconoce cierta nostalgia, su agenda musical no se detuvo: “Extraño un poco la docencia y el vínculo con esa juventud que abraza la música argentina. Pero mi vida continúa muy intensa. El año pasado di 101 recitales”. Una locura, uno cada tres días.

El propio balance lo sorprendió: “Cuando me pidieron hacer un saludo de fin de año revisé qué había pasado y vi que había tocado 101 veces. Yo no lo podía creer”.

Para Falú, esa intensidad no es casual: “Creo que represento un lado de la cultura, y ¿por qué no decirlo?, de la política también. Cuando uno toca, está reuniendo público que tal vez quiere reunirse a sí mismo. Y la canción, la música argentina, que es memoriosa, es un camino muy bueno para ese abrazo colectivo, en un momento en que la argentinidad está bastante debilitada. Y desde la política no hay todavía respuestas”. Y agregó: “Ahí la canción, la poesía, la cultura, cobran una dimensión especial: para decir o para escuchar lo que uno necesita escuchar. La política está sin un mensaje. Y lo que se espera es un mensaje que genere una cohesión colectiva y una mística. Ya vendrá”. En cuanto a la relación entre arte y mensaje político, Falú sostuvo una postura histórica: “El arte tiene que ser arte. Si es también una mensajería, bienvenido sea. Se hacen bien mutuamente, cuando el arte tiene un sentido político desde lo artístico y cuando la política comprende e incluye el arte en su praxis. Eso en Argentina es una deuda de la clase política en general, de no estar muy interiorizada de las pertenencias culturales”.

Desde su mirada federal, apuntó: “Un entrerriano conoce su provincia y su cultura, un tucumano también, un cuyano también. El centrismo se siente más vinculado a una modernidad sin anclaje, sin identidad”. Y concluyó: “El progresismo tiene esa cualidad digamos. Lo discursivo, lo correcto y como que los resultados no son tan visibles. Y me parece que está siendo necesario que la política represente esas culturas entrañables de las regiones argentinas. Es muy necesario. Se habla de federalismo, pero termina siendo un discurso vacío. El federalismo es sentir las identidades culturales argentinas. Si no se aman esas pertenencias, no creo que se puedan incluir en los programas o en las reivindicaciones”.

La guitarra como memoriaAntes del concierto, Falú se permitió una reflexión final sobre el instrumento que lo acompaña desde siempre: “Creo que Argentina es una tierra de guitarras. En todos los sentidos. Es una mensajera de la historia. Y debe ser el país donde mejor se toca la guitarra en el mundo”. Comparó tradiciones y raíces: “En algún momento eso fue España. Hoy lo que se mantiene poderoso es el flamenco. Y acá la guitarra tiene su decir pampeano, su decir cordillerano, su decir de la selva, de la llanura, de los ríos. Es increíble”. También destacó el crecimiento de la luthería: “Antes el luthier era uno solo en tal lugar. Hoy está lleno de constructores de guitarra, no guardan secretos como antes”.

Esa noche, Falú tocó con un instrumento muy especial: “Voy a tocar con una guitarra de Ricardo Louzao, un extraordinario luthier que falleció joven. Él me dio esta guitarra y yo, por estúpido o por neurótico, no la estaba usando. Decidí en este viaje sacarla”. El reencuentro fue significativo: “Siento que descubrí un instrumento que lo tenía ahí al alcance de la mano. Es como reencontrarse. Y es bueno, porque ayuda a la interpretación”. Con esa guitarra y esa memoria, Juan Falú volvió a Gualeguay y, una vez más, la música hizo su trabajo: reunir; literalmente amontonar; abrazar; y decir lo que muchas veces no encuentra voz en otros ámbitos. Para eso sirve la cultura.

. Sobrepasada la capacidad del espacio cultural, se improvisó lo que fuera necesario para no perderse esa fiesta para los oídos. Esa sorpresa tan genuina ... como si fuera condición indispensable de un artista emocionarse como la primera vez ante el milagro de la comunión con su público. Como si no hubieran pasado tantas canciones, propias y ajenas, como si no llevara en la sangre nuestras raíces, nuestros ritmos y nuestras historias.

 Juan Falú se sentó en una silla y con el respaldo de una copa de vino generosa que le aclaró la garganta castigada por una gripe, emocionó al público presente. Este domingo podrá usted disfrutar de una entrevista que el músico le dio en exclusiva a El Debate Pregón.

 Acá le acerco unos retazos de crónica apurada, al calor del cierre y con la vibración de esas cuerdas todavía reverberando. “Hace unos acordes que emocionan”, dijo el Tuco Ahibe, como si nunca hubiera escuchado una canción así. Si un músico de su trayectoria se conmovió, qué queda para los pobres legos como quien le escribe. Fue una presentación contundente, sin necesidad de adherezos. El hombre y su guitarra Louzao, disparando sonidos y verdades, entre canción y canción. Mostrándose humilde ante los ritmos nuestros, pero ejecutando canciones litoraleñas con maestría.

 De las zambas y las otras qué quiere que le diga que no sea redundante. Me dejo de merodeos. No hay palabras que puedan transmitir lo que dicen esas seis cuerdas cuando son pulsadas desde el alma por un auténtico y orgulloso hijo de este pueblo. 

Juan Falú visitará nuevamente la ciudad de Gualeguay este jueves, en una presentación que genera una expectativa especial entre los amantes de la música popular argentina. El concierto tendrá lugar a las 21 horas en la Biblioteca Popular, un espacio que, por su intimidad, realza el valor del encuentro entre el artista y el público. El valor de las entradas es 15 mil anticipadas y 20 mil en la puerta. 

“El encuentro con la música en vivo siempre es único, y más aún cuando se trata de referentes de la cultura nacional como Juan Falú”, expresó el músico y docente Juan Martín Caraballo, uno de los impulsores de la presentación. En ese sentido, remarcó que se trata de una invitación hecha “con más énfasis”, para que el pueblo de Gualeguay se permita participar de experiencias que calificó como “inolvidables y trascendentes”.

Caraballo subrayó el valor de escuchar a un solista de canto y guitarra en un ámbito cercano, una propuesta que —según señaló— ha sido desplazada de los grandes festivales, hoy más orientados al espectáculo y al entretenimiento. “Escuchar una guitarra y una voz en un lugar íntimo como la biblioteca popular es algo realmente maravilloso, que se disfruta muchísimo”, afirmó.

Juan Falú ha construido una obra propia y un pensamiento profundo sobre la música, la cultura y la tradición. En ese marco, Caraballo recordó recientes reflexiones del propio Falú sobre la existencia de circuitos alternativos a los grandes festivales comerciales: espacios sostenidos de manera independiente, que funcionan como verdaderas salvaguardas de expresiones culturales no ligadas al mero entretenimiento. “Por suerte, en Gualeguay esos espacios existen y los estamos sosteniendo entre quienes generamos propuestas de manera independiente”, señaló, y destacó la importancia de que la comunidad acompañe estas iniciativas.

Finalmente, la invitación quedó abierta a todo el público: “Ojalá se den ese gustito de decir ‘voy a ir a escuchar a Juan Falú, voy a bajar unos cambios’, y permitirse este encuentro, esta conexión con el sonido, la voz, la guitarra y su palabra”. El concierto será este jueves a las 21 horas en la Biblioteca Popular de Gualeguay. Una oportunidad para vivir la música en vivo desde un lugar cercano, profundo y esencial.Breve reseña biográficaCompositor, docente, militante, psicólogo, guitarrero y cantor son algunas de las múltiples facetas en vida que representan a Juan Falú. Durante su infancia en Tucumán, a los siete, ya hacía arpegios y entonaba melodías con la guitarra, mientras su padre Alfredo, que era abogado pero por sobre todo melómano y músico aficionado, lo escuchaba con suma atención. Así como con su hijo, Alfredo también fue el responsable de poner una guitarra por primera vez en las manos de Eduardo, su hermano menor (tío de Juan), marcando el destino del gran guitarrista y compositor argentino.Su música para guitarra recrea la frescura y la inventiva de las melodías populares, y muchas de sus canciones ya están establecidas dentro del repertorio de destacados músicos populares. Como intérprete, Juan Falú emplea su vasto conocimiento de los ritmos populares y muestra un dominio innato del arte de la improvisación. El exitoso guitarrista clásico Eduardo Fernández lo ha llamado "un compositor en tiempo real". Entre los numerosos premios que recibió se encuentran el Premio Nacional de Música (2000), el Premio Clarín (2001 y 2008) y el Premio Gardel (2008). En los últimos 30 años, ha realizado giras por América del Norte, Central y del Sur, Europa, Asia y África, y ha ofrecido conciertos en salas prestigiosas en más de treinta países. Sus grabaciones incluyen 24 álbumes como solista y más de 50 como invitado de otros artistas. Juan Falú es el creador y director del festival "Guitars of the World", considerado el evento internacional más grande en su género. 

Y este viernes 9 competirá en la final del 54° Certamen para Nuevos Valores Pre Cosquín, que se desarrolla hasta el 19 de este mes en la sede cordobesa del festival mayor del folclore, junto a artistas surgidos de concursos desarrollados en las distintas sedes del país. Su actuación está prevista para alrededor de las 21 y será transmitida a través del canal de YouTube del Festival de Cosquín.

«Si llego a ganar, paso a la noche del Festival de Cosquín. Ya tenemos el antecedente entrerriano de ´Pico´ Rubio, que ganó el certamen. Voy seguro, habiendo estudiado el repertorio. Llevo la música nuestra a Cosquín. Estoy supercontento de poder estar ahí», contó.

El certamen, agregó, «es totalmente distinto a una presentación en un festival o en un show. Se ve mucho la parte técnica, la expresión, la dinámica. Yo me preparé mucho, toqué el repertorio que presentó en Cosquín en muchos lugares, ya sea ante 2 personas o ante 100 personas». Son seis obras folclóricas que interpreta, entre ellas una compuesta por otro entrerriano, Ernesto Méndez.

Guitarrista, productor, autor y compositor, Santiago Luna presentó en octubre pasado una producción compuesta de 9 obras, la primera, fruto de la composición del artista radicado en Paraná.

En su trayectoria, destaca que se inicia como guitarrista de manera autodidacta, más adelante comenzó su formación en la Escuela de Música, Danza y Teatro Profesor Constancio Carminio de la Facultad de Humanidades, Artes y Ciencias Sociales Uader, Se desempeña como guitarrista clásico trabajando compositores como Bach, Agustín Barrios, Scarlatti, Giuliani y M. Torroba, entre otros.

Además, participó en la grabación del disco «La tocata» del Consejo de Educación.

Fue ganador del Pre Laborde.

Tiene materiales editados en sellos como Santa Fe Recording, Top Music, entre otros.

Fue integrante y productor de diversos grupos de música, con quienes grabó como guitarrista sesionista en varios trabajos discográficos, actuaciones en vivo en el canal América, TV Pública y Telefe, realizando giras en Argentina y países vecinos.

Se ha formado con grandes maestros de la guitarra como Eduardo Isaac, Ernesto Méndez, Pablo Ascua, Néstor Basurto, entre otros.

Sus raíces del Litoral llevan a su repertorio chámame, tango y folclore nacional, llevando al escenario, grandes compositores como Walter Heinze, Ernesto Méndez y Horacio Castillo, entre otros.

En este su primer trabajo, grabado en estudios Mg Recording –de Santo Tome, Santa Fe- , “De mi guitarra”, incluyó obras propias como composiciones de Horacio Castillo, Pepe Ferrer, Ernesto Méndez y Walter Heinze.De la Redacción de Entre Ríos Ahora

El Gobierno de Entre Ríos oficializó el reconocimiento a la trayectoria cultural de Jorge Arístides Méndez, uno de los referentes más importantes del folclore entrerriano y argentino. La distinción quedó establecida mediante el Decreto Nº 3524/2025, publicado este viernes en el Boletín Oficial, y pone en valor el legado artístico, social y cultural del músico paranaense fallecido el 12 de octubre de 2025.

En los considerandos del decreto se destaca que Méndez fue poeta, compositor, cantor, guitarrista y gestor cultural, con una producción cercana al centenar de obras que forman parte del cancionero popular. Entre ellas se mencionan El viejo aguará, Bajada Grande, Yo soy de Paraná, Lomadas de mi Entre Ríos, La vida en oro y en verde —canción oficial de la ciudad de Oro Verde—, Puentecito de La Picada y su obra más difundida, Canción de Puerto Sánchez, grabada por artistas como Los Fronterizos, Horacio Guaraní, María Ofelia, Los de Imaguaré y Los Hermanos Cuestas.

El texto oficial recuerda además su consagración nacional con Canción del jornalero, obra que obtuvo el premio Consagración en el Festival de Cosquín en 1965, y repasa distinciones como la Lira de Plata de SADAIC y los premios a la trayectoria otorgados por esa entidad y por el propio Cosquín. En 2001 volvió al escenario mayor del folclore argentino con el espectáculo Los poetas y la gente, donde presentó su obra integral Destinos Luminosos, musicalizando a poetas entrerrianos y gualeyos como Juan L. Ortiz, Carlos Mastronardi y Olegario Víctor Andrade.

El decreto subraya también el compromiso social de su obra, vinculada a causas sociales, ambientales y de derechos humanos, así como su formación literaria y su aporte poético al folclore, con el uso de estructuras clásicas y un lenguaje profundamente arraigado en el paisaje entrerriano.

Su paso por Gualeguay

La trayectoria de Jorge Méndez incluyó una relación con Gualeguay que merece ser mejor documentada. En 1984 se presentó en el ciclo Cantando en el Río. También actuó en el Teatro Italia, dejando una huella en la memoria cultural local. Más recientemente, en 2021, grabó el trabajo “Guitarra para el Camino” junto a Las Guitarras Gualeyas, un material que se encuentra disponible en la plataforma YouTube y que testimonia el cruce entre su obra y músicos de la ciudad.

Un legado que perdura

Entre otros reconocimientos, llevan su nombre la biblioteca de la Escuela Las Heras y el anfiteatro de la Plazoleta Italia de Paraná, una calle en La Picada, el Festival Folklórico “El Jornalero” en María Grande y, desde 2025, la Biblioteca del Chamamé Jorge Méndez en Federal. En 2023 había sido declarado Ciudadano Ilustre de Oro Verde, localidad donde residió durante muchos años.

 El decreto sostiene que el reconocimiento se enmarca en la obligación constitucional del Estado provincial de promover el derecho a la participación cultural y preservar la diversidad artística, destacando a quienes dedicaron su vida a enriquecer la identidad entrerriana.

La Biblioteca Popular Carlos Mastronardi fue escenario, el domingo por la noche, de un concierto tan cálido como profundo. Allí se presentó el músico, guitarrista, investigador y docente venezolano Néstor Viloria, junto a su compañera Beatriz López, en un espectáculo que permitió al público de Gualeguay sumergirse en la riqueza de la música popular venezolana, no solo desde lo sonoro sino también desde su raíz cultural y emocional.

 El paso de Viloria por la ciudad formó parte de una doble propuesta: por un lado, el taller “La guitarra en los ritmos de la música venezolana”, realizado el sábado por la tarde, y por otro, el concierto del domingo, donde todo ese universo musical cobró vida ante un auditorio atento y conmovido. Ambas actividades se desarrollaron en la Biblioteca y estuvieron enmarcadas en la presentación de su libro-método, una obra dedicada a trasladar los ritmos venezolanos al lenguaje de la guitarra.

 “Siempre tuve presente a Gualeguay”, expresó Viloria durante la entrevista, al explicar que su vínculo con Entre Ríos se remonta a los años en que vivió en Argentina, entre 2019 y 2024. “Este es un territorio de guitarras, un territorio guitarrero. Venir a Entre Ríos es venir a un lugar donde hay grandes guitarristas y una identidad musical muy marcada”, señaló, destacando además el carácter afectuoso y profesional con el que fue recibido por los músicos locales.

 Un concierto para aprender

 El recital tuvo un clima íntimo y cercano. Entre canción y canción, Viloria fue compartiendo explicaciones sobre los ritmos de su país, su origen, sus funciones sociales y religiosas, y el rol central del cuatro venezolano, instrumento que definió como “el equivalente cultural de la guitarra criolla en Argentina”. Esa pasión didáctica —marca registrada de su trabajo— permitió que el público no solo escuchara, sino que comprendiera y sintiera cada pieza.

 La música venezolana, explicó, es profundamente rítmica, alegre y vital, con una fuerte presencia de tonalidades mayores, coros responsoriales y una estrecha relación con el baile, la celebración y la religiosidad popular. “Tiene códigos muy auténticos”, explicó y agregó: “Para los migrantes poder escucharla es también una necesidad existencial”, reflexionó, recordando su propia experiencia como migrante y el valor emocional que la música tiene para quienes están lejos de su tierra.

 Ese componente emotivo atravesó toda la noche, especialmente en las interpretaciones vocales de Beatriz López, quien cantó algunas canciones sin micrófono, logrando un clima de profunda cercanía. Científica e investigadora del Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas, Beatriz mostró también su faceta artística con una sensibilidad notable. “Es una mujer con una altísima preparación académica, llena de compromiso y afecto, y con un gran sentido musical”, expresó Viloria al hablar de su compañera de más de tres décadas. Ese amor dio lugar a dos hijos también artistas que viven en nuestro país.

 Un cierre compartido y colectivo

 Uno de los momentos más celebrados del concierto fue el cierre, cuando músicos locales que habían participado del taller se animaron a subir al escenario y formar una orquesta improvisada, dirigida por el propio Viloria. Allí, algunos de los ritmos aprendidos el día anterior se pusieron en práctica en una experiencia colectiva que sintetizó el espíritu de la visita: intercambio, aprendizaje y celebración de la música como lenguaje común.

 “Me encontré con gente con mucho talento, con mucha disposición para conocer la música venezolana y con un enorme afecto”, destacó el músico, agradecido por la respuesta del público y de la comunidad artística local. “Es una ciudad hermosa, a la que espero seguir volviendo”, concluyó. El paso de Néstor Viloria y Beatriz López por Gualeguay dejó mucho más que un concierto: fue una experiencia cultural completa, donde la música funcionó como puente entre pueblos, historias y emociones, confirmando que, tenemos una patria grande que nos hermana, y al encontrarnos nos enriquece la mirada y la experiencia del otro que nos mejora con sus matices.

Viloria ofrecerá un concierto centrado en los ritmos tradicionales de Venezuela, con un repertorio que recorre valses, joropos y merengues, invitando al público a viajar por paisajes sonoros profundamente ligados a la identidad cultural venezolana.

Nacido en Ciudad Bolívar en 1971, Néstor Viloria cuenta con más de tres décadas de trayectoria como intérprete, compositor, arreglista y docente. Es Licenciado en Música, magíster en Educación Superior y discípulo de reconocidos maestros de la guitarra latinoamericana. A lo largo de su carrera se ha presentado en escenarios y festivales internacionales en América y Europa, y ha participado en numerosas producciones discográficas, entre ellas trabajos premiados a nivel internacional.

Además de su labor artística, Viloria es creador del método “La guitarra en los ritmos de la música venezolana”, plasmado también en un libro que se ha convertido en referencia para estudiantes y músicos interesados en la guitarra aplicada a la música tradicional.

El concierto forma parte de una doble propuesta cultural que incluyó ayer un taller de guitarra, y que hoy culmina con esta presentación abierta al público. La entrada tiene un valor de $8.000 y durante la noche habrá servicio de cantina.

Liebre de Marzo abre sus puertas a una fecha que promete mucho más que un recital. Bajo el nombre “Paseo al borde del abismo”, la noche reunirá a bandas locales, artistas invitados y distintas expresiones culturales, con la idea de construir una experiencia colectiva y accesible.

La iniciativa surgió, según cuenta Joaquín Gálligo —quien se presentará con su proyecto solista Manduví—, de manera sencilla y casi natural: “Hablé con Liebre para conseguir el lugar y armar una fecha. Íbamos a tocar con otra banda que finalmente se bajó, y ahí apareció la posibilidad de reorganizar todo. Somos todos amigos y conocidos, así que fue empezar a llamar y darle para adelante”.

Manduví compartirá escenario con Matías Montoya en un formato especialmente pensado para la ocasión. “Los dos hacemos temas propios, así que voy a cantar algunas canciones de él, él va a cantar algunas mías y después vamos a hacer algo en conjunto. Es lindo compartir con alguien de la misma generación, que viene metiendo hace tiempo y con la misma pasión por la música”, explica.

Para Gálligo, sostener un camino de canciones propias no es sencillo, incluso en tiempos de redes sociales y plataformas digitales. “Hoy hay más facilidades para mostrar lo que uno hace, pero la realidad es que la gente no te conoce hasta que no te ve en vivo. Por eso estas fechas son importantes, porque te permiten encontrarte con el público”.

La noche comenzará a las 22, con apertura de sala, y a las 22.30 se presentará Chavela, una propuesta con canciones propias y ajenas. Luego será el turno de Manduví y Matías Montoya, y pasada la medianoche llegará Chamanes Punk Rock, con su particular cruce de folk y punk rock. El cierre quedará a cargo de La Intriga, banda histórica para Gálligo: “Es la banda con la que empecé a tocar. Vamos a hacer temas de Cielo Razzo, Bersuit, Molotov… un cierre bien arriba”.

Además de la música, “Paseo al borde del abismo” incluirá otros lenguajes artísticos: habrá intervenciones de danza —folklore y tango— entre bandas y proyecciones de cine mudo durante los shows. “Queremos darle otra vuelta de rosca a la fecha, que no sea solo música en vivo, sino un cruce con otras expresiones”, señala el músico.

La entrada tendrá un valor popular de 4.000 pesos, una decisión pensada colectivamente. “Lo charlamos con la gente de la sala. Sabemos que el público es trabajador, sectores populares. Preferimos una entrada accesible para que la gente venga, consuma en la barra y disfrute la noche. Liebre en ese sentido se portó de diez”, destaca.

Gálligo también remarca el rol de la sala en la escena local: “Es un lugar hermoso, que suena bien y que siempre está abierto a las bandas locales. No hay muchos espacios para nuestro estilo de música, y Liebre es uno de los que mejor nos recibe”.

En un contexto económico complejo, el músico entiende estas fechas como un gesto cultural y político en un sentido amplio: “El momento amerita volver a una música más combativa, a decir cosas. Está bueno mostrar lo que hacemos y también combinarlo con las nuevas generaciones y otros estilos”.

La invitación queda hecha: música en vivo, arte, cantina accesible y una noche para apoyar a los músicos locales. La cita es hoy a las 22 en Liebre de Marzo.

Huelgan las palabras / Con tanto río de guitarras, canciones regadas por "Dionisio", largas madrugadas y una amistad florecida hace más de medio siglo. La tristeza cubre el día después con su mortaja. Soltaremos pandorgas y barriletes como pájaros al cielo, cuando vuele un chamamé o milonga, con tu letra y música querido amigo.

Dicen que en el lucero te espera el Negro Omar para armar un dueto y cantarles chamarritas a San Pedro y a todo el paraíso. Buen viaje cantor y guitarrero, y gracias por todo el amor a tu segunda cuna que elegiste para quedarte y sembrar las semillas de tu destino.Vuela Vuela golondrina Vuela al más allá.Descansa en paz

Tus amigos de la vida: Cary, Gustavo, Mario, Raúl, Luis, Daniel, Tono, Héctor, Julio, Fabián, Martin, Rolando y El Negro.

Pero mire que hace tiempo Pero mire que hace tiempo que no ando por Gualeguay Dulce panal montielero, flor silvestre en su humildad Jaguel donde bebo el agua clarita de la amistad.Rumor del río que pasa por el Quintana hacia el mar, besando la cabellera de los sauces en su andar Pero mire que hace tiempo que no ando por Gualeguay.

Pueblo de rudos varones y de mujeres, ni hablar.Cántaro azul que a Juanele inspiró en su manantial donde escribió Mastronardi el verso fundamental.Donde Amaro en su desvelo, pensó su obra genial.Donde pintó Antonio Castro con estilo sin igual.Pero mire que hace tiempo que no ando por Gualeguay.

Caminaré tus veredas jazmín de lluvia rosal y en una esquina cualquiera toparme con la amistad, recordar tiempos pasados que ya munca volverán, pero en los ojos del cielo para siempre alumbraráncomo lágrimas azulesque llora el jacaranda.

Andaré por tus barrancas tal vez lo encuentre nomás.A don Juan José Manauta caminando en soledad.Por aquellas tierras blancas, cerquita del Gualeguay,             gente linda, gente humilde, que siempre esperando está, pescadores y nutrieros, esclavos de la orfandad Pero mire que hace tiempo que no ando por Gualeguay.

Réquiem

En un momento de la realidad del país y de nuestro pueblo natal, desbarrancándose como grandes cascotes en el río; asistimos al dolor y ausencias de queridos copoblanos.

Ayer falleció Omar Morel, "El Negro", víctima de una enfermedad terminal. Compañero, amigo del palo (como nos identificamos) fue un referente del cancionero gualeyo durante décadas. Varias de sus obras fueron grabadas por el "Dúo Calandria", y su milonga "Pa los de abajo", casi su himno, reversionada por otros músicos.

Fiel a su condición social, podría decirse que fue un letrista del pueblo, y si le cabe, poeta. Comprometido ideológicamente con la pluma y la guitarra hizo suyo el sentir de los otros, sus pares, desde su infancia y después en militancias.

Pintó su aldea de pobreza digna en sus canciones. Rescató cantores y personajes del entorno de la Villa que relatan la Otra Historia Oficial.

El establishment culturoso oficial y gualeyo no lo reconoció nunca. Salvo los músicos populares, un público, y los amigos que atesoran sus obras y las cantan. Y es seguramente lo que él deseaba.

¡Salud compañero de palabra y melodía! Honrados de haber pertenecido al séquito que te acompañó en el viaje vertiginoso.Otro brindis Negro Querido.

Tus amigos que no te olvidarán (Cary, Luis, Raúl, Gustavo, Hugo, el Negro, Daniel, Rolando, Julio, Martin, Fabián, Héctor)Pa los de abajo (Milonga)

Dicen que el tiempo de la justicia se está perdiendo por la avaricia.Dicen que el tiempo de andar cantando a fuerza de hambre lo están matando.

Milonga dura porque estoy harto de misiadura que no le encuentren la punta al hilo.

De que haya pocos que tienen muchoy muchos pocoQue va reñido con la moral.

Dicen que vivo equivocado porque no quiero vivir pisado. Dicen que tengo raras ideas, porque no busco las conveniencias.

Milonga dura porque estoy harto de misiadura que no le encuentren la punta al hilo de que haya pocos que tienen mucho y muchos poco, que va reñido con la moral.

Yo sé que el tiempo viene llegando, de la justicia, pa los de abajoQue aunque hoy nos cubran los nubarrones llegará el día en que el sol se asome

Milonga dura porque estoy harto de misiadura que no le encuentren la punta al hilo.De que haya pocos que tienen muchoy muchos poco que va reñido con la moral. 

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Este fin de semana se realiza en Diamante el Encuentro Entrerriano de Música, una propuesta enmarcada en los Encuentros Entrerrianos de Arte que impulsa la Secretaría de Cultura de la Provincia junto a diferentes municipios. Desde el viernes hasta el domingo, se desarrollarán charlas, seminarios gratuitos, peñas y recitales con artistas seleccionados. Entre ellos, dirá presente una propuesta local: Las Guitarras Gualeyas.

Uno de sus integrantes, el músico y docente gualeyo Juan Martín Caraballo, fue uno de los doce seleccionados en un concurso de composición que convocó la Secretaría de Cultura.

“Hace un tiempo me enteré por las redes sociales de una convocatoria que hizo la Secretaría de Cultura de la Provincia para participar en un concurso de composición de canciones. Eso estaba enmarcado en algo que han denominado Encuentros Entrerrianos de Arte y puntualmente en este caso el que está dedicado a la Música”, explicó.

“Según pude leer y entiendo, cada uno de estos encuentros la Secretaría de Cultura va a articular con alguna ciudad. En el caso del encuentro de música es con la ciudad de Diamante la articulación”, añadió. “Luego de toda esa instancia que fue la selección de las canciones por parte del jurado, tuve la noticia de haber sido seleccionado junto a 11 músicos más. O sea, que 12 canciones fueron seleccionadas entre más de cien que se mandaron, según informó la gente de la Secretaría de Cultura”. 

Caraballo remarcó la amplitud de la propuesta: “Ahora finalmente se realiza el encuentro este fin de semana, en el cual los 12 compositores que hemos sido premiados estaremos presentes compartiendo todo un fin de semana. No solo la participación es de quienes hemos sido premiados, como decía, sino que también es abierto a cualquier músico que quiera asistir porque va a haber charlas, talleres, momentos de guitarreada, de compartir”.

“Me parece que es muy importante en este momento tener esos espacios donde compartir con nuestros colegas músicos. Así que sin duda que será un hermoso encuentro. Como digo, ya de entrada sabiendo que once músicos más van a estar presentes y posiblemente muchos otros que se acerquen, aun no habiendo sido premiados”, reflexionó.

“Estoy contento por esta participación. En el caso mío, siempre estoy componiendo, trabajando en torno a la música, arreglando, grabando. También desempeñándome como docente y, cuando uno tiene estos reconocimientos, son como un aliento, un pequeño mimo, digo yo, para seguir adelante”.

Respecto a la presentación, aclaró que será en formato trío. “La composición es una composición en letra y música mía, la participación artística la haremos con Las Guitarras Gualeyas, que es el proyecto que integro con el cual estamos teniendo mayor actividad. Así que la actuación va a ser con ellos”, indicó.

Los doce músicos seleccionados actuarán entre viernes y domingo. “En el caso nuestro de Las Guitarras Gualeyas, la actuación será el domingo. Así que estaremos presentándonos junto a Nadia Ojeda y Valentín Cosso con este trío de guitarras que ya hace bastante tiempo que venimos tocando”.

La canción seleccionada

Caraballo también habló de la obra que lo llevó a ser parte del Encuentro.

“En el caso puntual de la composición que yo mandé, es una canción que como decía es letra y música de mi autoría. Se llama ‘Día de río’ y es una canción que es bastante descriptiva de varias cosas que a mí siempre me han llamado la atención de esa vivencia tan propia y típica de nosotros los habitantes de esta región fluvial, que es la costumbre de ir al río, pasar el rato en el río en familia, con amigos”.

“Situaciones y episodios que me han ido llamando la atención de eso. Lo que pasa en el transcurso de un día en el río que, como digo, esta situación tan habitual para nosotros de ir y conectar con la naturaleza a través de los cursos de agua que son muy propios, y representativos de esta región”.

“Para mí ha sido todo un desafío porque habitualmente me desempeño más en la composición musical, no en la letra, pero en este caso también es letra y música mía. De a poco, me voy animando a compartir algunas canciones, como lo hice también con la canción que compuse hace un tiempo para Juana Armelín, que es letra y música propia también. Algunas cosas van saliendo y me pone contento de que sean bien recibidas. En este caso por un jurado de prestigio que ha sido el encargado de seleccionar y principalmente espero que a la gente también le guste”. 

Grilla destacada del Encuentro Entrerriano de Música

Viernes 20 de junio – Diamante, ER

Sábado 21 de junio

Domingo 22 de junio