La sala de la Biblioteca Popular “Carlos Mastronardi” se vio desbordada este domingo. Hubo que sumar sillas para recibir a un público que respondió con atención y sensibilidad a la propuesta de Fernando “Quena” Taborda, quien llegó a Gualeguay con su proyecto “Luminar”, acompañado por músicos locales: Ricardo “Cary” Pico, Juan Etcheverry, Raúl Ponce, Julio Acosta, Martín Ahibe y Héctor Cabello, en una velada organizada por TANGualeyo. “Quena” no solo ofreció un concierto: planteó una experiencia. Una búsqueda que, según explicó en la entrevista, se aleja de los repertorios tradicionales para centrarse en la creación propia, en el sonido crudo y en la conexión con lo interno.“El vínculo con la música es familiar, directamente. Mi padre era melómano, se juntaba con amigos a escuchar discos. Yo era chico y andaba por ahí, escuchando. Había música clásica, tangos, Almendra, Mercedes Sosa, Mozart, Piazzolla… ellos escuchaban y comentaban, y yo jugaba alrededor”, recordó. Ese primer contacto se dio en Concepción del Uruguay, donde también asistía a conciertos organizados por agrupaciones locales. “Mi viejo no era músico profesional, pero siempre estuvo cerca. Cuando le dije que quería estudiar, me apoyó. Me dijo: ‘Si vas a estudiar, te compro la guitarra’”. El inicio fue con ese instrumento, aunque pronto aparecería el bandoneón. “Yo quería tocar la guitarra eléctrica, escuchaba música de la calle, pero después me di cuenta de que la música de mi casa era mejor. Ya tenía una formación musical, y cuando escuché el bandoneón, cambié de instrumento. Eso me permitió acelerar el proceso”.

Su formación se consolidó en Buenos Aires, donde estudió con referentes como Rodolfo Mederos e Ismael Espínola. “En los años 80 todavía había muchos músicos de la época de oro del tango, y teníamos acceso directo a ellos. Después eso se fue perdiendo”. 

Sin embargo, su presente artístico se aleja del tango tradicional. “Desde la pandemia en adelante no hago más tango como repertorio. Tengo el lenguaje, porque lo aprendí, pero compongo mi propia música. No preparo repertorios de tangos clásicos para trabajar. Siento que tengo herramientas para hacer lo mío”. En ese camino se inscribe “Luminar”, la propuesta que presentó en Gualeguay. “Es estar despojado de toda tecnología. Poner a la persona con su instrumento, sin micrófono, sin nada. Es crudo. En un mundo donde todo es digital y manipulable, acá es lo que sos”.

Esa búsqueda convive con otro extremo creativo: un proyecto de música electrónica llamado “Tango Machine”. “Trabajo con sonidos virtuales, con un programador musical. Es lo opuesto a Luminar. En un lado no hay nada, y en el otro hay de todo. Pero en ambos casos es música mía”. Para Taborda, esa decisión no es casual. “Hoy es más fácil hacer covers. Suena bien porque las canciones ya son buenas. Pero para mí eso es comodidad. Yo ya pasé ese proceso. Ahora hago lo mío, como me salga, pero sé que es genuino”.

La respuesta del público en Gualeguay fue una confirmación. “Me recibieron muy bien. La gente estuvo sensible, escuchó, pudo viajar un poco. Si logré tocarle la fibra a alguien, cumplí la tarea. Mi objetivo no es el entretenimiento: es despertar conciencia”. En ese sentido, “Luminar” propone algo más que música. “Es una invitación a mirarse hacia adentro. Hoy estamos llenos de estímulos externos, del celular, de lo fragmentario. La música pasa a ser un acompañamiento y no una experiencia. Yo quiero lo contrario: que te escuches”.

El vínculo con Gualeguay, además, no es nuevo. “Siempre vine, siempre me gustó. Es una ciudad con mucha poesía, con movimiento cultural. Me siento muy bien acá, me siento un poco de Gualeguay. Tengo amigos y siempre me abrieron las puertas”. De cara al futuro, el bandoneonista continuará desarrollando ambos proyectos. “Voy a seguir con Luminar, sumando temas y mejorándolo. Y en paralelo con ‘Tango Machine’, que es la nueva propuesta. También estoy trabajando en mi tercer disco de música propia”.

En un contexto que reconoce como adverso para la producción musical, Taborda apuesta al trabajo interno. “No puedo sostener proyectos grandes hoy, entonces me dedico a estudiar y escribir. Es un momento de estar más adentro que afuera, preparando lo que vendrá”. Y dejó una definición que resume su posicionamiento artístico: “Todos los músicos estamos capacitados para crear. Hay que animarse. Expresar lo que te pasa. Yo no digo que lo mío sea lo que vale, es simplemente lo que hago. Pero es mío”.

El Gobierno de Entre Ríos oficializó el reconocimiento a la trayectoria cultural de Jorge Arístides Méndez, uno de los referentes más importantes del folclore entrerriano y argentino. La distinción quedó establecida mediante el Decreto Nº 3524/2025, publicado este viernes en el Boletín Oficial, y pone en valor el legado artístico, social y cultural del músico paranaense fallecido el 12 de octubre de 2025.

En los considerandos del decreto se destaca que Méndez fue poeta, compositor, cantor, guitarrista y gestor cultural, con una producción cercana al centenar de obras que forman parte del cancionero popular. Entre ellas se mencionan El viejo aguará, Bajada Grande, Yo soy de Paraná, Lomadas de mi Entre Ríos, La vida en oro y en verde —canción oficial de la ciudad de Oro Verde—, Puentecito de La Picada y su obra más difundida, Canción de Puerto Sánchez, grabada por artistas como Los Fronterizos, Horacio Guaraní, María Ofelia, Los de Imaguaré y Los Hermanos Cuestas.

El texto oficial recuerda además su consagración nacional con Canción del jornalero, obra que obtuvo el premio Consagración en el Festival de Cosquín en 1965, y repasa distinciones como la Lira de Plata de SADAIC y los premios a la trayectoria otorgados por esa entidad y por el propio Cosquín. En 2001 volvió al escenario mayor del folclore argentino con el espectáculo Los poetas y la gente, donde presentó su obra integral Destinos Luminosos, musicalizando a poetas entrerrianos y gualeyos como Juan L. Ortiz, Carlos Mastronardi y Olegario Víctor Andrade.

El decreto subraya también el compromiso social de su obra, vinculada a causas sociales, ambientales y de derechos humanos, así como su formación literaria y su aporte poético al folclore, con el uso de estructuras clásicas y un lenguaje profundamente arraigado en el paisaje entrerriano.

Su paso por Gualeguay

La trayectoria de Jorge Méndez incluyó una relación con Gualeguay que merece ser mejor documentada. En 1984 se presentó en el ciclo Cantando en el Río. También actuó en el Teatro Italia, dejando una huella en la memoria cultural local. Más recientemente, en 2021, grabó el trabajo “Guitarra para el Camino” junto a Las Guitarras Gualeyas, un material que se encuentra disponible en la plataforma YouTube y que testimonia el cruce entre su obra y músicos de la ciudad.

Un legado que perdura

Entre otros reconocimientos, llevan su nombre la biblioteca de la Escuela Las Heras y el anfiteatro de la Plazoleta Italia de Paraná, una calle en La Picada, el Festival Folklórico “El Jornalero” en María Grande y, desde 2025, la Biblioteca del Chamamé Jorge Méndez en Federal. En 2023 había sido declarado Ciudadano Ilustre de Oro Verde, localidad donde residió durante muchos años.

 El decreto sostiene que el reconocimiento se enmarca en la obligación constitucional del Estado provincial de promover el derecho a la participación cultural y preservar la diversidad artística, destacando a quienes dedicaron su vida a enriquecer la identidad entrerriana.

El músico y compositor argentino Lalo Schifrin murió a los 93 años en Los Ángeles, Estados Unidos, según confirmó el sitio estadounidense Variety. El fallecimiento ocurrió este jueves, cerrando una extensa y exitosa trayectoria artística reconocida a nivel mundial. La causa fue una neumonía que lo mantuvo internado y derivó en complicaciones fatales.

La noticia de su fallecimiento impactó tanto en Argentina como en la escena internacional, donde el nombre de Schifrin quedó vinculado de manera indeleble a la historia de la música moderna. La muerte del compositor representa la pérdida de una de las figuras más relevantes de la composición argentina y universal.

Apenas dos meses antes de su fallecimiento, estrenó una nueva obra en el Palacio Libertad, acompañado por Rod Schejtman, reconocido compositor y pianista conocido por sus fusiones de música clásica sinfónica con bandas sonoras de películas. La sinfonía, titulada “¡Viva la Libertad!”, contó con la interpretación de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección del maestro Emmanuel Siffert.

La composición fue presentada como un homenaje al espíritu resiliente de los argentinos, celebrando la perseverancia como un valor universal.

El artista consolidó una carrera internacional que lo colocó entre los compositores más destacados del cine y la televisión. Uno de sus mayores legados fue la creación del tema principal de Misión: Imposible, cuya melodía distintiva con ritmo sincopado se convirtió en un símbolo de la serie y, posteriormente, de la franquicia cinematográfica. Además de este hito, Schifrin firmó la música de otros grandes títulos como “Harry el sucio”, “Bullitt”, “The Cincinnati Kid”, “Mannix”, “Starsky y Hutch” y “Tango”, de Saura.

Su época dorada se ubicó entre las décadas de 1960 y 1970, periodo en el que su capacidad para fusionar géneros y estilos lo catapultó a la fama tanto en Hollywood como en el ámbito televisivo estadounidense. Las bandas sonoras de Schifrin aportaron identidad y carácter a obras que hoy son consideradas clásicos, confirmando su influencia en la industria del entretenimiento.

Con una propuesta musical que alternaba la música clásica sinfónica, el jazz y elementos de la música popular, Schifrin logró que muchas de sus composiciones trascendieran la pantalla y permanecieran en el imaginario colectivo. Esa creatividad se extendió también a la música de cámara y la música sinfónica, áreas en las que incursionó paralelamente a su labor en la industria audiovisual.

A lo largo de su carrera, Lalo Schifrin acumuló un extenso listado de premios y distinciones que reflejan su influencia global. En Estados Unidos, su nombre está grabado en una estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, un símbolo del reconocimiento de la industria del entretenimiento estadounidense. Schifrin fue también galardonado con cuatro premios Grammy y recibió el prestigioso Premio Max Steiner, que distingue la excelencia en composición de música para cine.

Su talento fue contemplado en numerosas ocasiones por la Academia del Cine de Hollywood, que lo nominaron varias veces a los premios Oscar. Finalmente, en 2019, Schifrin obtuvo un Oscar honorario que le fue entregado por el actor y director Clint Eastwood, con quien mantuvo colaboraciones relevantes a lo largo de su trayectoria. Este galardón representó la consagración oficial de una carrera dedicada a crear universos sonoros para el séptimo arte.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires el 21 de junio de 1932. Desde una edad temprana estuvo inmerso en un entorno musical favorable, pues su padre era violinista y le permitió acceder al mundo de la música académica. A los seis años, el compositor ya tocaba el piano.

Durante la década del cincuenta, Schifrin tuvo su primer contacto relevante con la escena internacional cuando el legendario trompetista Dizzy Gillespie visitó Argentina. Fue entonces cuando Schifrin, con poco más de veinte años, aceptó el desafío de escribir una suite para Gillespie, denominada “Gillespiana”. Esta oportunidad se constituyó en el trampolín que lo llevó poco después a los Estados Unidos para integrarse de lleno a la escena jazzística y compositiva americana, en una etapa entre 1960 y 1962.

Conversamos con Valentín Cosso, un apasionado de la música desde su adolescencia, amor que ha ido acrecentando y cultivando con estudio desde la EMMIM, hasta la universidad en Rosario, y la licenciatura en la UNSAM, en Buenos Aires, sin dejar de lado su proximidad a intérpretes de nuestra ciudad y del país. La creatividad es una constante en V. Cosso y su cercanía con músicos que va conociendo en su andar, le dan la posibilidad de nuevas creaciones.¿Cómo surge tu pasión por la música?V.C.: -De chico, como a cualquiera creo, que era una de las cosas que me atrapaba. Si bien en mi casa no se escuchaba mucha música en el sentido de sentarse a escuchar detenidamente un disco, si recuerdo canciones de la infancia que cada tanto vuelven como ecos de esa época. Luego me dio curiosidad aprender a tocar un instrumento, que en un principio fueron clases de piano con mi abuela, pero al tiempo me pasé a la guitarra y desde entonces no la pude soltar.¿Qué estudios has realizado desde que comenzaste hasta ahora?

V.C.: comencé con la guitarra a los 11 años, en un taller de música folklórica que daban Juan Martín Caraballo y Laura Balzer, dos músicos queridísimos y hoy compañeros del camino, en la Escuela Nº 5 “Rudecindo Alvarado” donde comencé a hacer mis primeros acordes. Al tiempo me anoté en la Escuela Municipal de Música “Isidro Maiztegui”, la EMMIM, cuando estuvo dirigida por Ricardo “Cary” Pico, en donde fue un boom de música, y creo que en ese entonces ya empecé a formarme y a delinear lo que sería mi carrera a futuro como músico. Esos años de estudio en la escuela me aportaron muchísimo de la formación que acarreo hasta hoy. Luego, como muchos jóvenes gualeyos, tuve la posibilidad de estudiar fuera de nuestra ciudad, me fui a Rosario y estudié la Licenciatura en Guitarra de la UNR; eso fue desde el 2014 al 2019, y desde el 2020 al 2022 cursé la Licenciatura en Música Argentina de la UNSAM en BuenosAires, carrera muy hermosa bajo la dirección del músico Juan Falú y un plantel docente excepcional.¿Aparte de la guitarra, interpretas con otros instrumentos?V.C.: He tenido acercamiento a otros instrumentos, incluso cuando uno empieza a tomarse la música como una forma de vida y una actividad laboral, cultural y artística, aparece la posibilidad de experimentar con otros sonidos. He realizado algunas producciones tocando otros instrumentos como el Bajo, Percusión, Sintetizadores y, por supuesto, la voz y el canto, pero mi identidad sonora está en la guitarra, en la estética de nuestra música popular y trabajo todo desde ese lugar.¿Qué te dejó la gira por España y Francia? V.C.: La música te regala experiencias muy hermosas, los viajes son una parte de eso y sin dudas que haber tenido la posibilidad de viajar a Europa con un proyecto musical es importante para alimentar el deseo de seguir transitando este camino. Ese viaje lo hicimos con “Las Guitarras Gualeyas” en el 2022, proyecto que integramos junto a Nadia Ojeda y Juan Martín Caraballo. Lo más valioso fue haber llevado a distintas ciudades de España y Francia nuestra música folklórica, nuestra cultura popular, y por supuesto nuestros autores y compositores entrerrianos y de Gualeguay. De repente nos vimos interpretando chamarritas y chamamés de artistas que apreciamos mucho como Hugo Duraczek, Julio Faggiana o Raúl Ponce a pasitos del Río Sena o de la Torre Eiffel.¿Qué otras actuaciones te han traído alegría?V.C.: Toda presentación musical es una experiencia en sí misma, siempre uno se lleva algo de ese momento y cada concierto tiene sus particularidades, por el lugar, el clima con la gente, la organización, la producción, entre otras cosas. Sí recuerdo algunos momentos recientes, quizás sean en escenarios grandes, como festivales, por ejemplo, este año estuvimos muy activos con Las Guitarras Gualeyas, en la Fiesta Nacional del Chamamé en enero en Corrientes; en febrero acompañé al acordeonista paranaense Juan Manuel Bilat en el Festival del Chamamé en Federal y, a mitad de año, también estuvimos en Buenos Aires tocando en el Auditorio del Congreso de la Nación y en el 29º Festival Guitarras del Mundo. Si Dios quiere los años que vengan traerán más experiencias similares.¿Cuáles son tus grandes referentes y el género musical predilecto?V.C.: Como guitarrista admiro mucho a músicos como Juan Falú y Rudi Flores; son dos estilos bien distintos y con mucha identidad que me encanta; podría escuchar un día entero sus discos y no me cansaría. Creo que responden al patrón de la música popular argentina, que es un poco estructurada y otro poco improvisada y en esa simbiosis uno se siente representado, y esto se complementa con muchos géneros, el Tango, el Folklore Norteño y de otras regiones, el Litoral, Cuyo, el Norte. Nuestro  país es muy amplio y eso se corresponde con la música que se crea en cada región. Escucho además algunos grupos y músicos de la provincia y la región, a los que tengo la suerte de conocer y compartir con ellos, además de que admiro muchísimo  a los colegas.¿La música te está dando posibilidades laborales? ¿Dónde?V.C.: No es tan fácil, trabajar con la música, depende del producto que ofrezcas; si lo pensamos como una actividad económica debería haber consumo, inversión y un circuito de actividad que sea rentable. Lamentablemente esto es posible para grupos comerciales que arman sus propuestas para ser vendidas en festivales cargados de marketing y publicidad que escapan al mero hecho artístico que es hacer música. Uno se mueve en un circuito independiente, lo que llamamos “under” que a su vez está subdividido según la música que hacés y el lugar en donde estás. En mi caso hemos podido consolidar un proyecto como Las Guitarras Gualeyas, que llevamos aproximadamente 7 años trabajando y con el que estamos activos a fuerza de mucha dedicación y sacrificio donde la mayoría de las veces, lejos está de ser redituable. Sin embargo, ese círculo independiente y autogestivo va creciendo a fuerza de pulmón y redes que se van tejiendo; ahí es donde uno puede mantenerse en actividad aunque termina poniendo mucho de sí para que un proyecto marche como quien dice, y el goce está cuando el público, los amigos, la familia y alguien que no te conoce te agradece por lo que le regalas en ese momento, que va en contraposición al consumo masivo de música al que estamos acostumbrados en la actualidad, donde todos es ruidoso, pegadizo, hecho para que dure un instante y al tiempo se esfume.Hay un nuevo trabajo en trío; ¿quiénes lo forman?V.C.: En este caso, este proyecto fue forjar un formato que se dio a partir de juntarnos con dos amigos muy queridos de la zona de Rosario, Gonzalo Miranda en guitarra y Fernando Brunotti en voz. Para una fecha que salió para tocar tango armamos un repertorio de temas clásicos del género y a medida que le dábamos forma dijimos “che, esto está bueno tenemos que grabarlo” y así fue como hace un año concretamos un encuentro para grabar un EP, que es un disco corto de 6 temas en este caso donde dejamos nuestras versiones de clásicos criollos.¿Qué géneros interpretan?V.C.: En un principio el concepto era música ciudadana y tangos específicamente, pero luego de una charla coincidimos en que la música que interpretamos y en el formato que lo hacemos, 2 guitarras y voz, responde a un formato criollo más amplio que el tango, tal es así que incluimos también una zamba, un vals instrumental y un poema recitado por Fernando.Está muy presente la voz en las interpretaciones… V.C.: Un oyente está acostumbrado a que la voz sea el instrumento que más se destaque, esto está bien porque es el encargado de llevar el mensaje también. En el EP, Fernando Brunotti, de Roldán es quien tiene ese papel; él es un cantor muy reconocido en su ciudad que es cercana a Rosario, tiene mucha trayectoria, más de 30 años cantando y una voz fenomenal, y con Gonzalo nos dimos el gusto de armar arreglos que instrumentalmente sean acordes al nivel del cantor, tratando de aportar ideas nuevas a temas que son conocidos.¿Qué temas interpretan?V.C.: El EP consiste en 6 temas; el primero es “Sobre el Pucho”, un tango viejo de Sebastián Piana y José González Castillo quien casualmente está cumpliendo 100 años;  fue compuesto en 1923. El segundo tema es “Déjame estar", una zamba muy linda de Oscar Valles. En tercer lugar hicimos el vals “Sin esperanza”, de Joaquín Mora y Contursi, donde Gonzalo hizo su parte con el Guitarrón. En cuarto lugar un poema recitado por Fernando titulado “A mi barrio sur” de Nacho Wisky, luego “Casita de Belgrano”, un vals instrumental de mi autoría que quisimos dejar registrado, y, por último “Tarde” otro clásico de la música ciudadana. “Universo Criollo” es el nombre de este trabajo, lo estrenamos el 1 de noviembre en todas las plataformas por lo que cualquiera puede acceder desde su celular o la computadora si pone el título del álbum en su dispositivo. Más allá de eso, estamos proyectando hacer algunas presentaciones en vivo en ciudades cercanas; todo esto para 2024.¿Qué proyectos tenés para el año que viene?V.C.: Por suerte venimos cerrando el año con mucha actividad, con Las Guitarras Gualeyas estuvimos hace poco en Venado Tuerto para los festejos del Día de la Tradición que organizó la Municipalidad; realizamos un taller y concierto. Tenemos previsto realizar un concierto despedida de año y estamos hablando con algunos festivales para el verano, además de otros proyectos que tenemos en carpeta como producciones audiovisuales, grabaciones y publicaciones. Por otra parte estoy proyectando  para el 2024 la grabación de mi segundo disco solista de guitarra; es algo que lleva tiempo por eso ya estoy trabajando  en eso. 

La aprehensión del representante se registró en la madrugada de este sábado en el boliche bailable ubicado en Avenida Artigas de Gualeguay, donde el músico santafesino realizaba una presentación.

Sobre esta persona pesaba un pedido de captura por su presunta vinculación con el robo a una tienda de Villa Libertador San Martín (departamento Diamante). El sospechoso, finalmente, fue apresado este sábado a la madrugada durante la presentación que desarrollaba Uriel Lozano en el boliche de Gualeguay.

“El personal de la División Investigaciones procedió, en horas de la madrugada del sábado, a cumplimentar oficio proveniente de la Fiscalía de la ciudad de Diamante, en el marco de causa caratulada: robo reiterado”, informaron fuentes policiales de Gualeguay.

De acuerdo al parte policial, los uniformados se constituyen en el boliche bailable ubicado en Avenida Artigas de Gualeguay, donde presentaba su show el cantante Uriel Lozano, y allí proceden a la detención del representante del mismo, un hombre de 53 años con domicilio en la provincia de Santa Fe, sobre quien pesaba pedido de captura.

Según la comunicación, el mánager Uriel Lozano fue trasladado a sede policial, donde quedó alojado a disposición de la Justicia.

-¿Estudiaste algún instrumento musical de niña o joven?

M. De Los S.: -Desde la adolescencia, mis intereses estaban enfocados al arte. Estudiaba piano en la escuela EMMIM, que en ese momento estaba en calle Primer Entrerriano y San Antonio y tomaba clases de canto. Ya más llegando al final de la secundaria formé parte del Coro de Jóvenes de la Escuela Normal, entre ensayos y presentaciones, también tuve mi primera experiencia en comedia musical. 

-¿Qué te llevó a especializarte en Musicoterapia y dónde?

M. De Los S.: -Conocí esta profesión a mis 13 años, allá por el 2007. Leí por primera vez, en la última tapa de una revista, algo sobre Musicoterapia en problemas de adicciones; no paré de investigar acerca de la profesión, buscando en páginas de Argentina y también en páginas del exterior (ya que para ese entonces no había tanto material bibliográfico como ahora y menos online). Cada pequeña información que recolectaba me llevó a tomar contacto con musicoterapeutas ya recibidos, con los cuales me sacaba dudas. Empecé mis estudios en el año 2011 en Rosario, en la Universidad Abierta Interamericana.

-¿Es una formación incluida en la currícula de docentes especiales?

M. De Los S.: -Como formación no, es una formación independiente, una carrera universitaria. Te podes graduar habiendo cursado 4 años como Musicoterapeuta y con 5 años, como Licenciada en Musicoterapia. Sí, he escuchado nombrar que suele formar parte del programa de formación de docentes especiales, pero como asignatura. Es una profesión de la salud que te permite tener una matrícula provincial para poder ejercer legalmente. 

-¿Para qué diagnósticos está indicada?

M. De Los S.: -La corriente que yo estudié no es exclusiva de un diagnóstico. Trabajamos con personas de todas las edades, más allá de que posean un diagnóstico y/o una discapacidad, tanto en el ámbito público como el privado. 

-¿Son terapias individuales?

M. De Los S.: -No necesariamente, además del enfoque individual, también existen los grupales. Esto va a depender de las necesidades de la persona y del abordaje que el musicoterapeuta pueda ofrecer. En estos momentos, me encuentro ofreciendo talleres con enfoque individual y grupal para infancias. Talleres que apuestan a no perder y cuidar la singularidad de las infancias.

-¿Con qué elementos trabajás?

M. De Los S.: -Los materiales que tengo a disposición, son diferentes tipos de instrumentos musicales, percusión, cuerdas, viento. También tengo material que serían clasificados como electrófonos. Equipo de audio, micrófonos, tablet, etc.  Los cuentos sonoros, de textura, juegos didácticos, pinturas, material de accesibilidad como pictogramas, también forman parte del espacio. Desde la materia corporal, hacemos uso del propio cuerpo en movimiento y también ciertos elementos disparadores, como por ejemplo, rompecabezas, juegos de mímica con cartas, cintas conocidas como cinta de gimnasia rítmica, telas de colores, dados de tela, etc.

-¿Qué resultados se logran?

M. De Los S.: -La variedad de resultados que podemos encontrar, por supuesto van a tener que ver con las necesidades de la persona o del grupo en cuestión. Pero por nombrar algunos, pueden ser tanto a nivel socioemocionales, del lenguaje, cognitivos, motrices, etc.

-¿Cómo se pueden contactar con vos las familias que tengan interés en esta disciplina?

M. De Los S.: -Las familias interesadas, se pueden contactar conmigo a través de mi correo electrónico micaeladelosantosmusicoterapia@gmail.com, o visitando mi perfil de instagram donde podrán encontrar información de los talleres y sobre la profesión. Dicho perfil es “musicoterapia.micadelosantos”; después de esto envío información y estoy disponible para aclarar todas las dudas que requieran. 

Desde la ciudad de México con los amigos de Se estrenarán, importante grupo de comunicación artística, se estrenarán dos de los videoclips de mayor peso que se hayan filmado en nuestra ciudad, canciones del cantautor grabadas y dirigidas en SONARTEC estudio de Gustavo Correa, con la producción Audiovisual de Mauricio Echegaray (El Bolsón Audiovisuales) y el auspicio de la Dirección de Cultura de Gualeguay a cargo de Nora Ferrando. Participaron en estas canciones diferentes músicos de nuestra ciudad.

Las reuniones siguen avanzando entre el artista gualeyo Marcelo Arce y los amigos de Conectando Mundos Emergentes México para poder realizar dichos estrenos a fines de junio del corriente año.

Marcelo Arce ha realizado desde el comienzo de la pandemia en adelante una ardua tarea cultural artística, convocando a varios músicos de renombre de nuestra ciudad y grabando un sinfín de canciones propias que hoy, radicado en Capital Federal, está llevando a cabo una tarea importante de difusión con un gran compromiso en su carrera.

El músico "Palo" Pandolfo falleció este jueves a sus 56 años. El cantante se desvaneció en la calle Diaz Vélez al 4000, ubicada en el barrio porteño de Caballito, informó la Policía porteña de la Comisaría Vecinal 6 A. Por el momento, se desconocen las causas de muerte.

Luego de que llegara la ambulancia y los profesionales realizaran maniobras de reanimación al artista, se produjo su deceso a las 15.25 horas. Había sido trasladado al Hospital Durand. En tanto, fue reconocido por su sobrino Luis Emilio.

El próximo 8 de agosto iba a presentarse en el Centro Cultural Morán con localidades agotadas.

Nació en noviembre de 1964 en el barrio de Flores, Ciudad. Su vida musical comenzó con su banda de colegio secundario, Sempiterno, con la que tocó entre 1979 y 1983. Luego, formó la banda Don Cornelio en 1984, que luego se sumaría al nombre "y la Zona". Y finalmente creó Los Visitantes, banda con la que grabó Salud universal, Espiritango, En caliente, Maderita y Desequilibrio.

Su carrera como solista empezó en 2001 con A través de los sueños. En 2011, armó su última banda, La Hermandad, con la que publicó los álbumes Esto es un abrazo (2013) y Transformación (2016). En 2019, lanzó los tres volúmenes de El vuelo del dragón, un registro audiovisual que buscaba celebrar sus más de 30 años de carrera.

Fue uno de los grandes referentes del post punk porteño con su banda Don Cornelio y La Zona. Actualmente es considerada una de las formaciones de culto de la escena local de la década del ochenta.

Hace dos semanas, Palo había publicado la canción Tu amor. Un dúo con el artista Santiago Motorizado que oficiaba junto a "El alma partida" como anticipo de su próximo álbum solista.

El actor Horacio Sabatini, quien también se desempeñaba como como fotógrafo, músico y artista plástico, falleció a los 52 años de edad. No se especificaron detalles de la causa de su deceso.

La triste noticia fue anunciada por la Asociación Argentina de Actores a través de sus redes sociales. "Lamentamos el fallecimiento del actor, fotógrafo, músico y artista plástico Horacio Sabatini. Trabajó en televisión y publicidad", manifestaron en el texto.

"Tuvo una destacada labor como fotógrafo y realizó numerosos shows como cantante. Nuestras condolencias a sus familiares y seres queridos, abrazándolos en este momento de tristeza", cerró la asociación sindical, profesional y mutual de la Argentina que reúne a los actores de todo el país.

Quien fue Horacio Sabatini

Nacido el 3 de diciembre de 1968, Horacio Sabatini empezó desde muy chico a demostrar su amor por el arte. A los 11 años tuvo su primera banda en el colegio, y a los 16 empezó a escribir sus primeras canciones. Estudió canto en el Centro Cultural San Martín con Martha Millán y actuación con el maestro Agustín Alesso, quien falleció en 2020 por Covid-19.

Siguió estudiando hasta que decidió contar lo que le pasaba a través de sus letras. Ya a los 21 años organizó su primer recital acompañado de seis músicos. Así formó Hache. "A partir de esa ida y vuelta (con el público, comencé a remar con fuerza, a pesar que es realmente muy duro mostrar 'nuestra música', la de los artistas argentinos. Pero mientras haya quienes quieran escuchar, aquí estaré para darles cada pedacito de mí, de mis canciones", había dicho en una entrevista ocho años atrás.

Entre sus trabajos actorales en televisión se encuentran las producciones de Polka Separadas, Los ricos no piden permiso, la serie juvenil Soy Luna, Campanas en la noche, la tira protagonizada por Calu Rivero en Telefe en 2019, y El Show del Problema en El Nueve, el programa conducido por Nicolás Magaldi.

También realizó publicidades para Fiat, DirectTV, Uber, Nextel, Ford y otras marcas. También realizó trabajos como extra de SUTEP.

Su amplia labor como fotógrafo incluye la realización de books y gráficas para artistas, espectáculos y marcas comerciales; coberturas para la revista Hecho en Buenos Aires y la revista de Cablevisión; producciones para Marilina Ross, Sandra Mihanovich, Eladia Blázquez, Silvina Garré, Alejandro Lerner, Las Blacanblus, Falete entre otros.

Fuente: Exitoína

El músico, multi instrumentista y referente del funk local, Willy Crook sufrió un accidente cerebrovascular (ACV) en las últimas horas, según informó su agente de prensa, por lo que se encuentra internado en coma farmacológico y con respirador.

"Familia, amigos, músicos, colaboradores, fans, pedimos por su pronta recuperación", expresó Paula Alberti en su cuenta de Twitter, y añadió: "Vamos Willy! Estamos junto a vos en nuestras oraciones y pensamientos positivos".

Eduardo Guillermo Pantano Crook tocó en bandas como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Los Abuelos de la Nada, colaboró con Charly García, Los Fabulosos Cadillacs, Pachuco Cadáver, Sumo, Los Gardelitos, Riff, Comida China, Los Encargados, Los Mimilocos, Andrés Calamaro, entre otros.

En 1997 formó su propia banda, Los Funky Torinos, en cuyo primer disco, Willy Crook & the Funky Torinos, participaron artistas como Miguel Zavaleta, Daniel Melingo y Fernando Samalea. (DIB) ACR